La exploración del humanismo en la Toscana | El arte italiano de los siglos XIII y XIV
Muchas de las innovaciones exclusivas del Renacimiento italiano de los siglos XV y XVI tuvieron sus semillas plantadas en Italia durante los siglos XIII y XIV. El estudio del pensamiento y el arte clásicos llevó a la gente a buscar claridad moral y modelos de comportamiento, que luego se convirtieron en humanismo. Buscaron en el período clásico respuestas a los problemas modernos.
Pintura en Toscana
Frente al mismo público, los pintores crearon nuevas técnicas que les resultaban naturales. Los pintores italianos de los siglos XIII y XIV estudiaron cuidadosamente por primera vez la tradición pictórica bizantina arraigada en el estilo clásico, exploraron la expresión de imágenes y crearon técnicas de pintura más cercanas a la naturaleza que las de la Alta Edad Media. La exploración de técnicas por parte de artistas de esta generación buscó expresar efectos de luz en formas tridimensionales y crear ilusiones espaciales en las pinturas. Los artistas utilizaron estas técnicas para realzar el encanto de los santos y hacer que las narrativas fueran más efectivas y atractivas. Las técnicas innovadoras de pintores del siglo XIV como Giotto y Duccio proporcionaron un lenguaje pictórico naturalista, y los artistas de toda Europa se beneficiaron enormemente.
Cimabue y Giotto
Cimabue fue una vez aprendiz de un pintor griego. Su gran tabla "La Asunción de la Virgen" fue pintada para el altar de la Iglesia de la Santísima Trinidad en Florencia. Este retablo es de grandes dimensiones, casi 4 metros de altura, y se convierte en la pieza central de la capilla.
La obra tiene características distintas de la iconografía bizantina, utilizando elementos lineales dorados para realzar la nobleza de la Virgen. La Virgen y Cristo están sentados en un trono de madera decorado, sostenido por ángeles a ambos lados y colocado sobre un pedestal sobre las cabezas de los profetas del Antiguo Testamento. El manto azul de la Virgen, sobre un fondo dorado, se convierte en el centro de la imagen.
Giotto creó "La Asunción de la Virgen" para la Iglesia de Todos los Santos de Florencia hacia 1310. Esta obra no sólo muestra la conexión con el retablo mayor del mismo nombre de su maestro Cimabue, sino que también muestra mucha influencia diferente.
Al igual que la Virgen de Cimabue para la Iglesia de la Santísima Trinidad, Giotto se encuentra entre los ángeles, representando a la Madre Celestial en un trono con su Hijo sobre un fondo dorado. La túnica azul oscuro y la figura alta de la Virgen dirigen los ojos del espectador directamente hacia ella y el Hijo arrodillado, mientras todas las demás figuras los miran fijamente. A diferencia de las obras de su maestro, las figuras de Giotto están bañadas de luz y parecen estatuas sólidas. Cimabue transformó la luz en una red de hilos dorados, mientras que Giotto pintó un gradiente de luz de claro a oscuro, haciendo que las figuras parecieran figuras tridimensionales.
Capilla de los Scrovegni en Padua. Giotto no sólo innovó en la luz, la sombra y el espacio, sino que también tenía talento para la narrativa. Giotto y su equipo de pintura utilizaron técnicas de fresco para pintar todas las paredes desde el suelo hasta el techo. La estrella azul dorada pintada en la bóveda simboliza el cielo. La pared de abajo está dividida en tres franjas horizontales, cada franja está dividida en una serie de cuadrículas rectangulares, que representan principalmente escenas de la vida de Cristo.
“Cristo entrando en Jerusalén” es una de las escenas que muestran la vida cristiana de Cristo. Los cristianos conmemoran este acontecimiento el Domingo de Ramos (Domingo de Ramos, domingo anterior a Pascua). Al diseñar el cuadro, Giotto colocó toda la escena en primer plano y tuvo en cuenta la posición del espectador dentro de la capilla. Esto hace que el espectador se sienta extremadamente cercano al evento en sí.
“Lamentación de Cristo” muestra el eterno momento de despedida entre la Virgen, sus amigos y Cristo.
La Lamentación de Cristo tiene la atmósfera trágica representada en los textos religiosos de la época. No son sólo las posturas y expresiones de los personajes las que crean este efecto, sino también el ritmo formal del diseño. El centro de la imagen se encuentra en la parte inferior central. Las figuras inclinadas, los colores indiferentes y el cielo despejado transmiten un estado de ánimo sombrío.
Los frescos de Giotto en la Capilla de la Arena le hicieron famoso entre los artistas de su generación. En la Divina Comedia, escrita en 1315, el gran poeta italiano Dante constata la creciente popularidad del joven pintor florentino: "Antes Cimabue pensaba que tenía el mundo de la pintura solo, pero ahora Giotto está de moda, eclipsando el aura de los demás."
Siena: La devoción a la Virgen en las obras de Duccio y Simone
"La Virgen y el Niño" encarna mejor la devoción del pueblo de Siena. Na a la Santísima Madre. El cuadro en miniatura representa la ternura entre la Virgen y el Hijo. La Virgen sostiene al Hijo en sus brazos y el Hijo se acerca para quitarle el velo. El fondo del cuadro es de color dorado brillante, que contrasta marcadamente con el manto azul de la Virgen. Los ojos tristes de la Virgen mirando a su hijo pequeño dan al cuadro una sensación de melancolía.
"El Icono Solemne" fue encargado en 1308. Los directores de la Catedral de Siena encargaron a Duccio pintar un enorme retablo para el altar superior. Firma de Duccio en la parte inferior del trono: "Virgen Santísima, concede la paz a Siena y la vida a Duccio, que tanto te ha honrado".
En el cuadro, la Virgen y el Niño en el trono rodeados de sus. "Yanchen", las posiciones de los santos y los ángeles están cuidadosamente equilibradas. Los demás santos patrones de Siena están arrodillados en la primera fila, cada uno en su propia postura y mirando a la Virgen. La imagen de la Virgen aquí es muy similar a la de la obra de Cimabue, ambas derivadas del estilo griego. Duccio relajó las líneas de la bata, creando una suavidad ondulante. La ropa es suave y coherente, los personajes son naturales y conmovedores, y se comunican entre sí a través de sus ojos.
"Anuncio de la Muerte de la Virgen" muestra dos figuras. Las paredes y las vigas del techo acortadas indican que las figuras están dentro del edificio. Crean y limitan el espacio en el que las figuras pueden asentarse. Utilice la arquitectura para integrar personajes en escenas convincentes.
Duccio formó a la siguiente generación de pintores en Siena, Simone Martini. En 1333, los directores de la catedral de Siena encargaron a Simone la creación de otro conjunto de retablos como suplemento "Significado de la Solemnidad" del "Santo Elefante". .
El retablo de Simone "La Anunciación" representa a dos creyentes locales sobre un fondo dorado, a ambos lados de la escena principal. El Arcángel Baikal se acerca a la Virgen por la izquierda y María es sorprendida por los visitantes. La paloma, que representa al Espíritu Santo, espera su decisión trascendental, que es prometer asumir las responsabilidades que le han sido encomendadas y convertirse en madre del Hijo, abriendo así la puerta a la salvación.
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Ruiyazi