Presentamos algunas buenas películas.

1. Ciudadano Kane (1941) Ciudadano Kane.

Esta película es la más clásica de la historia del cine y es llamada "un monumento al cine moderno" por el mundo. Esta historia sigue la vida del magnate de los periódicos estadounidense Charles Foster Kane. Incluyendo la infancia, la carrera, el amor, el matrimonio, el poder y la amistad del protagonista. ...

Esta película fue producida por Lei Dianhua Company en 1941; Orson Welles, que sólo tenía 25 años, escribió, dirigió y actuó como una virgen. Esta es una película biográfica rica y filosófica. Existen muchas diferencias entre las películas modernas y las tradicionales, la más obvia de las cuales es el tratamiento de los elementos de la historia. "Citizen Kane" ya no es una estructura secuencial tradicional y una estructura cerrada desde una única perspectiva, sino un flashback y un tratamiento abierto de la historia. La película * * * recibió nueve nominaciones, pero fue derrotada por "How Green Was My Valley" y finalmente ganó sólo un premio al Mejor Guión Original. Sin embargo, esto no impide que se convierta en una de las mejores películas de la historia del cine. Durante más de cincuenta años, los cineastas la han considerado un clásico. No hace mucho, con el fin de conmemorar el centenario del nacimiento del cine, el American Film Institute seleccionó las 100 películas más representativas de la historia del cine estadounidense. "Ciudadano Kane" merece el puesto número uno.

2. Casablanca (1942) Casablanca

También traducida como “Los espías del norte de África”, combina héroes humanos y amor por la guerra. El día después del ataque a Pearl Harbor de 1941, el 7 de febrero de 65438, Warner Bros. compró los derechos del guión "Todos van al hotel de Rick". El productor Wallis y el director Mike Curtis estaban muy interesados ​​en hacer una película antifascista sobre este momento sin perder el sentimiento de Hollywood, por lo que contrataron a tres veteranos, incluidos los hermanos Epstein, para adaptarla. Al mismo tiempo, se seleccionaron cuidadosamente actores famosos de diferentes nacionalidades para interpretar los papeles en la película: la actriz sueca Ingrid Bergman, que interpretó a Ilsa, el actor estadounidense Humphrey Bogart, que interpretó a Rick, y Laszlo, el actor austriaco Paul Henreid, el actor alemán Konrad Veidt, que interpreta al Mayor Estrasburgo, y al actor británico Claude Rains, que interpreta al Capitán Renaud. Incluso el reparto secundario está formado por actores de primer nivel. En 16 premios de la Academia, "Casablanca" fue nominada a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actor de Reparto, Mejor Fotografía en Blanco y Negro, Mejor Guión, Mejor Música y Mejor Montaje. Al final ganó tres premios: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión.

3. El Padrino (1972) El Padrino

"El Padrino" es una adaptación de la novela más vendida de Mario Puzo. Después de que salió la novela original, los críticos occidentales la calificaron como una obra representativa de las novelas populares modernas. La película "El Padrino" tiene una duración de tres horas. Básicamente se conservan la trama principal y los personajes de la novela, pero se eliminan algunas descripciones explícitas. Toda la película está contada desde la perspectiva de una forastera, Kay, la esposa de Michael, y las actividades internas de las Columnas parecen absurdas y aterradoras. Las escenas de planificación, asesinatos, persecuciones, tiroteos, etc. son continuas y el ambiente es frío. Es realmente emocionante e insoportable de ver. La película proporciona material bastante vívido para comprender la historia interna de la mafia.

Esta película ganó la 45ª edición de los Premios de la Academia a la Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Guión Adaptado.

4. Lo que el viento se llevó (1939) Lo que el viento se llevó

"Lo que el viento se llevó" es una película adaptada de la novela más vendida de Margaret Mitchell "Lo que el viento se llevó". Desde su preparación hasta su finalización tomó mucho tiempo. Tres años y cuatro millones de dólares. El productor David Selznick utilizó dieciocho guionistas antes de que Sidney Howard lo adaptara al guión. Selznick no sólo participó en la escritura del guión, sino que también seleccionó cuidadosamente a un grupo de artistas cinematográficos de primer nivel, incluidos directores y actores, para participar en la producción.

Esta superproducción tiene una duración de tres horas y cuarenta y cinco minutos. La primera mitad de la película es como una epopeya. Las peleas, fugas, tiroteos y escenas de incendios de Atlanta son de gran escala y colores llamativos. La segunda mitad es un triste drama psicológico que utiliza el poder del drama para revelar el proceso de destrucción de la personalidad de la heroína en el conflicto con la sociedad: cuanto más persigue la riqueza, más despiadada se vuelve.

La película original de "Lo que el viento se llevó", una de las películas clásicas más importantes de la historia de Hollywood, fue empaquetada en un frasco dorado y se convirtió en una preciosa reliquia cultural en la historia del cine.

5. Lawrence de África (1962) Lawrence de Arabia

Este es un gran thriller.

Lo que es único en esta película es que combina con éxito dos aspectos a menudo incompatibles: grandes escenas de batalla y un estudio interesante e inteligente de un personaje histórico. . La revista "Time" comentó una vez: "Una y otra vez, el enorme marco rectangular de la gran pantalla se abría como la puerta de un gran horno, y el público quedaba absorto en el destello fundido de arena de oro puro, contemplando el vacío y brillante inmensidad, como si estuviera contemplando "Mirando a los ojos de Dios"

Debido a sus destacados resultados, esta película ganó los premios a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Fotografía en Color, Mejor Artista de Cine en Color y Mejor Película en La 35ª edición de los Oscar. Siete premios que incluyen edición, mejores efectos de sonido y mejor música original. Considerada una de las mejores películas biográficas de la historia del cine.

6. El mago de Oz (1939) El mago de Oz

Una película musical infantil clásica adaptada del cuento de hadas del mismo nombre. La pequeña Dorothy sale sola porque le responde a su tía adoptiva. Como resultado, un tornado la llevó a un país liliputiense con flores en flor. Con la ayuda de hadas y personas, siguió el camino de ladrillos amarillos hasta la Ciudad de Cristal Verde, buscando al gran mago para encontrar el camino a casa.

Esta película está supervisada por el director de "Lo que el viento se llevó". Tiene una trama conmovedora, una hermosa melodía y un significado de gran alcance. Su tema principal, "Rainbow Song", se ha cantado durante muchos años. En la duodécima edición de los Premios de la Academia, la película ganó Mejor Música Original y Mejor Canción.

7. Graduado de la escuela de posgrado (1967).

Cuenta la historia de un hombre que acaba de graduarse de la escuela y se lleva a una madre y a su hija a un viaje de verano. Muestra la confusión de los jóvenes en ese momento, al no saber qué quieren hacer y qué. ellos quieren.

La música de la película se ha convertido en un clásico.

Protagonizada por un joven Dustin Hoffman y Anne Bancroft, quienes ganaron premios de la Academia al Mejor Actor y Actriz ese mismo año. Además, la película también ganó Mejor Director y Mejor Actriz de Reparto.

8. Waterfront (1954) Dockside

La historia de la "lucha" de un trabajador portuario refleja el panorama político de la Nueva York de los años cincuenta. Ese mismo año, ganó varios premios Oscar, incluido el de Mejor Director, Mejor Actor de Reparto y Mejor Película.

9. La lista de Schindler (1993) La lista de Schindler

Esta es la película más joven y mejor posicionada en este ranking. Parece que su imagen todavía está profundamente grabada en la mente de la gente hasta el día de hoy.

Esta película está llena de sabiduría y pasión, y también es el trabajo más conmovedor de Steven Spielberg desde que comenzó a filmar.

Ganó seis premios en la 66ª edición de los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía y Mejor Montaje.

La música de la película se ha convertido sin duda en un clásico en el tesoro de la música cinematográfica mundial.

10. Cantando bajo la lluvia (1952) Cantando bajo la lluvia

Este es un musical relajado y hermoso que me gusta mucho. Se dice que la escena en la que el protagonista masculino baila con un paraguas bajo la lluvia sigue siendo un curso obligatorio para los estudiantes de escuelas de cine y escuelas de danza.

La trama en realidad es muy sencilla, es cómo tres actores musicales descubren un nuevo estilo de interpretación. y logró un gran éxito.

Aunque no ganó varios premios Oscar, el humor de la película, la combinación perfecta de música, baile e historia agregaron mucho color a la historia del cine.

11. Es una vida maravillosa (1946) Es una vida maravillosa.

La película en blanco y negro producida por Ray está dirigida por, 1946, protagonizada por.

James Stewart interpreta a un joven de un pequeño pueblo que ha estado intentando ser bueno, pero siente que ha fracasado y quiere suicidarse. El ángel guardián Henry Trevos le muestra sus errores y obras buenas del pasado.

Adaptada de un cuento escrito por el escritor Philip Van Doren Stern como tarjeta de Navidad para un amigo, el guión original era brillante y lleno de humor, pero el director Capra lo cambió para considerarlo un clásico más serio.

"The Man" fue la primera película dirigida por Frank Capra tras retirarse de la Segunda Guerra Mundial. También fue la primera vez que colaboró ​​con el Mejor Actor James Stewart.

El estilo continúa los anteriores "Wealthy Clouds" y "Floating Like a Dream", y también persigue el sueño americano.

Capra dijo en su autobiografía que esta película fue su mejor trabajo.

Sin embargo, ese año se encontró con un fuerte oponente en "La edad de oro" (Oscar a la mejor película) y perdió 525.000 dólares en su estreno.

El reparto fue improvisado, incluidos Donna Reed y Leon Barrymore, quienes dieron pleno juego a sus personajes.

12. Sunset Boulevard (1950) Sunset Boulevard

La verdad es que hay muy poca información sobre esta película. Fue superada por la película ganadora del Oscar "Eva al desnudo", pero eso no impidió su lugar en la historia del cine. La película, también traducida como "La Mansión Roja", es una película en blanco y negro de 1950 producida por Paramount, dirigida por Billy Wilder y protagonizada por Gloria Swanson y William Holden. Esta película es una de las comedias cómicas en blanco y negro legendarias de Hollywood. Este es un lugar popular donde se reúnen las estrellas de Hollywood. Entre ellos, un asesinato ocurrido en una casa enorme en Sunset Boulevard. El guionista Joe Gillis (interpretado por William Horton) fue asesinado a tiros en la piscina. La historia se desarrolla en un flashback.

Charles Brackett ganó el premio al mejor guión, la mejor dirección de arte y la mejor banda sonora por "Sunset Boulevard".

13. El puente sobre el río Kwai (1957) El puente sobre el río Kwai

Adaptado de la novela homónima de Pierre Boole, fue producido por Columbia en 1957. . Director: David Lean, Reparto principal: Alec Kinnersey (Nicholson), Jack Hawkins (Fatton), Sekhisa Hayakawa (Saito) y William Horton (Shields). Cuenta la historia de la construcción y eventual bombardeo de un puente en la frontera con Myanmar bajo la ocupación japonesa en 1943. Se la puede llamar la película de guerra más tortuosa y profunda de la historia del cine.

La película ganó siete premios, entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y Mejor Música.

14. A algunos les gusta lo caliente (1959) es pasión.

1959 Dirigida por Billy Wilder, protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon. Adaptado del musical de Broadway "Sugar". El trasfondo temporal es el período de prohibición en 1929.

El ingenioso diseño de hombres disfrazados de mujeres en la película no sólo permite a los dos protagonistas masculinos demostrar excelentes habilidades de actuación, sino que también es pionero en subvertir la conciencia de género. Marilyn Monroe y Joe Brown interpretan a sus amantes. La imagen de Monroe en la pantalla sigue siendo sexy e inocente, y interpretar a la seductora cantante es su actuación más sexy. La actuación de Brown hizo reír y llorar a la gente.

Ganó el Oscar al Mejor Diseño de Vestuario.

15. Star Wars (1977) Star Wars

Es la mejor película de ciencia ficción de este ranking, lo que muestra su impacto en las viejas ideas de la gente de los años 70. Producida por 20th Century Fox, dirigida por George Lucas en 1977, protagonizada por Mark Hamill, Carrie Fisher y Harrison Ford.

Se puede decir que esta película es la obra maestra de George Lucas, el fundador de las películas de ciencia ficción. Se hizo popular en todo el mundo en la década de 1970 y lideró la tendencia de las películas de ciencia ficción.

16. Todo sobre Eva (1950) Comet Beauty

La película en blanco y negro de Forster fue creada en 1950 por Joseph L. Mankey.

Wicz), actores principales: Tavis (Marge), Anna Baxter (Ava), George Sanders (Adelson), Calais May Lil (Bill) y Marilyn Monroe (Miss Caswell).

"Comet Beauty" muestra la historia interna de la vida escénica y cómo una chica desconocida ascendió al estrellato. Esta película es una adaptación del drama radiofónico "La sabiduría de Eva" dirigida por Meng Jiwei. La estructura del guión es más rigurosa y práctica que la de "Sunset Boulevard", y el diálogo es más ingenioso y picante, revelando apropiadamente la oscuridad detrás del escenario.

"Come on Earth" ganó seis premios Oscar, incluidos Mejor Película, Mejor Actor de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión y Mejores Efectos de Sonido.

17. La reina de África (1951) Reina de Egipto.

Producida por IFD, dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart y Katharine Hepburn. La historia se desarrolla durante la Primera Guerra Mundial, con Humphrey Bogart interpretando a un hombre de negocios alcohólico que vende productos junto al río, y Katharine Hepburn interpretando a una monja conservadora. Debido a la situación, tuvieron que escapar en un carguero, que luego se convirtió en torpederos para atacar a las cañoneras alemanas. Debido a sus personalidades diametralmente opuestas, los dos a menudo se enfrentaron y se negaron a ceder el uno al otro en el camino, pero después de todo este debate, se sorprendieron al descubrir que realmente se enamoraban el uno del otro.

Muchas veces, la película solo tiene dos protagonistas masculinos y femeninos, pero los dos actores trabajadores son suficientes para soportar la situación general, lo que hace que la gente se sienta aburrida. Debido a que esta película está llena de interés local, el American Film Institute la seleccionó como una de las "Diez mejores películas estadounidenses" en 1977.

Protagonizada por Bogart también ganó un Oscar por esta película.

18. Psico (1960) es impactante.

La película en blanco y negro, producida por Shamley, está basada en la novela de Robert Burrow y escrita por Joseph Stefano. 1960 Dirigida por Alfred Hitchcock, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh.

Se puede decir que esta película es una película de terror de éxito sin precedentes con técnicas audaces e imágenes impresionantes. Incluso décadas después, las escenas sangrientas y asesinas todavía asustan al público. Uno de los clásicos más magistrales de Hitchcock, nunca una película sobre asesinatos y enfermedades mentales conmocionó tanto al público. La historia describe a una chica que robó fondos públicos y vivió en un motel mientras huía, pero fue asesinada por un loco esquizofrénico en el baño. Su hermana y su novio se unieron a la investigación policial y, finalmente, la verdad sobre el loco fue revelada mediante una investigación gradual.

Hitchcock, el maestro de la tensión, manipuló con éxito las emociones del público con sus hábiles habilidades cinematográficas, y la escena del asesinato de Li Hongwei en el baño se ha convertido en una escena clásica en la historia del cine. En sólo 30 segundos, el director cortó 35 planos, con un montaje rápido y posiciones precisas de la cámara, creando un efecto realista y feroz. Además, la partitura de las afiladas cuerdas de Hermann también contribuye en gran medida al cultivo de la tensión.

Personalmente creo que las llamadas películas de terror dirigidas por directores modernos no se pueden comparar con ellas.

19. Chinatown (1974) Chinatown

Producida por Paramount, dirigida por Roman Polanski en 1974, protagonizada por Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Protagonizada por Roman Polanski.

Oscar al Mejor Guión Original, la historia se desarrolla en Los Ángeles de los años 30. Un detective privado (Jack Nicholson) es contratado por una hermosa joven (Faye Dunaway) para investigar su relación extramatrimonial, pero inesperadamente se ve envuelto en una complicada conspiración plutocrática y una tragedia de incesto.

Una película de detectives nostálgica con una trama compleja y un rico drama, y ​​maravillosas interpretaciones del director y el editor, es una obra maestra del cine negro de los años 1970. Sin embargo, la película merece críticas por su tono insultante.

20. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) Alguien voló sobre el nido del cuco.

Producida en Estados Unidos, dirigida por Milos Forman en 1975, protagonizada por Jack Nicholson, Louise Fletcher y Brad Dourif.

Adaptación de la novela de Kenkisser, un prisionero rebelde de mediana edad se hizo pasar por un enfermo mental y fue enviado a un hospital psiquiátrico estatal. Debido a que llevó a los pacientes en el hospital a resistir el sistema de alta presión del hospital, los médicos del hospital lo asustaron mucho hasta la demencia.

Se puede decir que esta película refleja la cultura hippie y las tendencias ideológicas antigubernamentales de aquella época, y el director utilizó una forma narrativa moderada y conservadora para abordar temas muy críticos y serios, alcanzando un nivel que Es un efecto refinado y popular.

Esta película ganó el 48º Oscar a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor y Actor.

21. Las uvas de la ira (1940) Las uvas de la ira

Película en blanco y negro producida por 20th Century Fox, 1940, dirigida por John Ford, protagonizada por Henry Fonda y Jane Darvill, protagonizada por John Carradine.

Adaptada de la novela clásica de John Steinbeck, describe que durante la Gran Depresión de la década de 1930, la familia Joad, al igual que miles de agricultores de Oklahoma, abandonó a regañadientes su ciudad natal y se fue a California para ganarse la vida. Aunque la realidad no era ideal y fueron exprimidos y aplastados, todavía no perdieron la esperanza. Se puede decir que esta película encarna bien la connotación de la obra original.

Esta película no es sólo una de las obras maestras del director John Ford, sino que también registra la amargura y el dolor de la sociedad estadounidense de aquella época a través del lenguaje cinematográfico, mostrando un excelente desempeño en el montaje, dirección, actuación, rodaje, música, etc. Un nivel inmejorable.

No solo causó un gran revuelo cuando se estrenó ese año, sino que incluso si ves esta película más de 50 años después, aún puedes sentir su audacia, su fuerte acusación y su brillantez de humanidad.

En 1977, el American Film Institute seleccionó esta película como una de las diez mejores películas estadounidenses, y los críticos de cine estadounidenses también la seleccionaron como una de las "Diez mejores películas estadounidenses" en 1973.

La directora y actriz secundaria de la película ganaron dos premios de la Academia.

22.2001: Odisea en el espacio (1968) 2001: Odisea en el espacio.

Producida por MGM, dirigida por Stanley Kubrick en 1968, protagonizada por Keir Dullea, William Sylvester y Gary Lockwood.

Describe todo el proceso histórico del progreso humano desde la era de los simios hasta el siglo XXI. Al final, la computadora se niega a obedecer las órdenes del astronauta e intenta competir con la inteligencia humana. Cuando la película se estrenó por primera vez, muchos pensaron que era esotérica, larga y aburrida, pero ahora es reconocida como una de las mejores películas del siglo XX.

Su imaginación científica se refleja asombrosamente en imágenes, y nadie puede superarla tan lejos; como predicción de contraataque tecnológico, nadie puede ser tan escalofriante como ella.

Los accesorios también son muy interesantes. La mayor parte del dinero de la película se gastó en accesorios exquisitos. Fueron necesarios cinco años desde la planificación hasta su finalización y un año y medio para rodar los efectos especiales.

Quedó subcampeona de taquilla total en 1968, pero esta película sólo ganó el Oscar a Mejores Efectos Especiales.

23. El halcón maltés (1941) El halcón maltés

Una película en blanco y negro producida por Warner Bros., dirigida por John Huston en 1941, protagonizada por Humphrey Bogart y Mary Astor. protagonizada por Sidney Greenstreet.

Adaptación de la obra maestra "El halcón maltés" de Hammett, el maestro de las historias policiales, es la primera película dirigida por el guionista John Huston, y es también una de sus obras más exitosas. Se dice que es el futuro El cine negro marcó una pauta.

Esta fue también la primera vez que Humphrey Bogart estableció su propia "imagen". El detective Sam Spade que interpretó era solitario, frío e indistinguible entre el bien y el mal. Se convirtió en el modelo de personajes similares en "El espía" y "El gran sueño" en el futuro, y fue imitado por innumerables personas en generaciones posteriores.

La trama describe que después de que matan a su compañero, Spade se ve involucrado en la conspiración de varias personas turbias que intentan poseer una costosa estatuilla por cualquier medio necesario.

Esta película es la única que no ganó un Oscar. Aunque fue preseleccionada para tres premios: Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Actor de Reparto (Sydney Green Struggle), aún así fue derrotada por "How Green Is My Valley" y "The Bridge".

24. Toro Salvaje (1980) Toro Salvaje

Una película en blanco y negro producida en Estados Unidos en 1980, dirigida por Martin Scorsese, protagonizada por Robert Di Nino, Kay Starring. Ci Moratti y Joe Pesci.

Jack Ramo, el campeón estadounidense de peso mediano en la década de 1940, finalmente alcanzó la cima después de años de arduo trabajo, pero fue derrotado por un novato en 1954 y nunca se recuperó. Después de retirarse del boxeo, abrió un bar en Miami, se divorció de su esposa debido a su vida disoluta y fue acusado de ir a prisión. Después de salir de prisión, todavía dirigía un bar y entretenía a los clientes como comediante.

Robert Dinello volvió a demostrar su capacidad para "jugar lo que quiera". Desde los veinte hasta la mediana edad, incluso ganó 60 libras al final de la película, lo cual es impresionante, lo que le valió el título. del ganador del Oscar.

Pero lo que se diferencia de las películas de boxeo anteriores es que las escenas de boxeo en "Raging Bull" son pocas pero vívidas y poderosas. El breve combate de boxeo de 12 minutos es extremadamente triste y casi aterrador.

La película ganó los premios a Mejor Actor y Mejor Montaje.

25. Alien (1982)

Esta es una excelente película de ciencia ficción adecuada no solo para niños sino también para adultos. Hace que los extraterrestres sean tan lindos por primera vez.

Universal 1982, dirigida por Steven Spielberg, protagonizada por Dee Warrens, Henry Thomas y Drew Barrymore. Esta es la película más famosa y favorita del gran director Spielberg.

La película describe a un extraterrestre extraterrestre que fue acogido por un niño pequeño debido a un mal funcionamiento de una nave espacial y entró accidentalmente en la Tierra. Pero la falta de voluntad de ET para ser el segundo detrás de los demás le trajo a él y a su familia muchos problemas.

Ganó cuatro premios Oscar en la 55ª edición de los Premios de la Academia por música, acústica, efectos de sonido y efectos visuales, y ha sido el campeón de taquilla norteamericana durante más de diez años consecutivos. Hasta hace poco, eso se rompió con los regresos de Star Wars y Titanic.

Toda la película está protagonizada por varios actores infantiles. Parece una película para niños, pero la calidez, el humor y la imaginación que transmite también hacen llorar a los adultos, las estrellas infantiles Henry Thomas y Jules Barrymore se han convertido en un nombre familiar. .

26. Dr. Strangelove (1964) Dr. Strangelove

Una película en blanco y negro producida por Columbia, 1963 dirigida por Stanley Kubrick, protagonizada por Peter Sellers y George C. Protagonizada por Scott.

El nombre original también se llama "¿Cómo amar las bombas en lugar de preocuparme por ellas?" (Cómo aprendí a dejar de preocuparme y enamorarme de las bombas), que está lleno de ironía y burla. El guión fue creado por Kubrick y otros basándose en la novela "Red Arendt" de Peter George.

A principios de la década de 1960, el enfrentamiento entre Kennedy y Jruschov fue el período más tenso e intenso. Kubrick utilizó los verdaderos círculos militares y políticos estadounidenses como telón de fondo e insertó personajes y tramas absurdos para reflejar la mentalidad ambivalente de la gente de la época.

La historia se desarrolla en la sala de guerra del Pentágono, la base de mando de la Fuerza Aérea de EE.UU., y un bombardero B-52 que porta una bomba de hidrógeno capaz de destruir el mundo, yendo y viniendo entre tres ubicaciones.

Cuanto más atrás en el tiempo, más rápida es la velocidad de empalme, la crisis es llevada al extremo por el suspenso de la imagen, haciendo que la audiencia esté inquieta y sudorosa, pero todavía hay algunos monstruos en el medio. , lo que hace reír a la gente.

La destacada actuación de los actores hace que toda la película sea deslumbrante. Peter Scheele se divide en tres partes: el presidente americano, el oficial británico y el extraño Dr. Love.

La película tampoco ganó nunca un Oscar.

27. Ladrones y ladrones (1967) Ladrones y ladrones.

Producida por Warner Bros., dirigida por Arthur Pann, 1967, protagonizada por Warren Beatty, Faye Dunaway y Gene Hackman. Es la primera obra maestra hecha por él mismo. También se ganó la reputación de Faye Dunaway.

Cuando se trata de ladrones y ladrones, la gente inmediatamente pensará en los ladrones y ladrones como socios. La película está adaptada de una historia real, que tuvo lugar durante la Gran Depresión de la década de 1930. No sólo se unieron para robar bancos, sino que incluso mataron a muchas personas inocentes y se embarcaron en un camino sin retorno.

Bajo la creación estética única del director Arthur Penn, toda la película exuda una fuerte sensación de nostalgia, y el rodaje en cámara lenta al final de la escena se parece más a una triste ceremonia de muerte. Mientras pongo nerviosa a la gente, no sé si odiar o amar al personaje principal.

Cuando se estrenó ese año, fue vilipendiado tanto por defensores como por críticos. Sin embargo, no cayó bajo ataque y se convirtió en una película popular, ganando mucho dinero y provocando que la ropa y el pensamiento de los jóvenes tendieran a imitar el estilo de los años treinta.

Esta película también tiene un estilo especial, que es la fusión de la comedia y el terror. El proceso del crimen romántico y ridículo es muy divertido, pero gradualmente se introduce en la sombra de una muerte horrible y sangrienta. "The Shaping Killer" de Oliver Stone fue influenciado por él.

Ganó el 40º Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto y Fotografía en 1967.

28. Apocalypse Now (1979) Apocalypse Now

Producida en Estados Unidos, 1979, dirigida por Francis Coppola, protagonizada por Martin Sheen, Robert Duvall, Marlon Prynne Spend.

Adaptación de la obra original de Conrad "Black Heart", es una de las obras maestras de Coppola que costó decenas de millones de dólares. Describe a un capitán estadounidense a quien se le ordenó adentrarse en la jungla de Camboya durante la guerra de Vietnam para encontrar al coronel estadounidense Coates y asesinarlo.

Esta película es la controvertida epopeya bélica de Coppola, que lleva al público a una larga exploración del caos, el caos y el surrealismo a través del viaje misionero del "Capitán América".

Lo más destacado de toda la película es la impresionante cinematografía de Vittorio Storaro, que transporta completamente al público a la confusa jungla. En general, este es un trabajo impactante. La técnica de Coppola es vigorosa y poderosa, transformando la Guerra de Vietnam llena de fuego de artillería en un infierno apocalíptico para la humanidad. Respecto a esto, las futuras películas de guerra pueden sacar algunas ideas de esto.

Ganó el Premio del Festival de Cine de Cannes y dos premios Óscar a la Mejor Fotografía y al Mejor Sonido.

Sin embargo, debido a su gran inversión, los costos de producción siguieron aumentando ese año, haciendo que la producción cinematográfica tienda a requerir altas inversiones para obtener grandes escenas.

29. El señor Smith fue a Washington.

Película en blanco y negro producida también en Colombia, dirigida por Frank Capra, 1939, protagonizada por James Stewart, Claude Rains y Joan Arthur. Una de las obras clásicas de Frank Capra describe los intentos de un joven idealista de cambiar las leyes corruptas y retorcidas del Senado de los Estados Unidos.

El señor Smith, interpretado por James Stewart, es elegido para cubrir la vacante en el Senado de un senador gravemente enfermo. Cuando llega al Capitolio, es abrumado por un grupo de políticos corruptos. Sin embargo, mantuvo sus creencias y condenó lo que vio.

La actuación de James Stewart en la película volvió a ser convincente. Ganó el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York al Mejor Actor y su imagen vertical en la pantalla es ejemplar. También refleja la estrecha ostentación de los cineastas estadounidenses.

Fue seleccionada como una de las diez mejores películas del año por la Asociación Estadounidense de Críticos de Cine. Nominada a nueve premios de la Academia, incluidos Mejor Película, Director, Actor, Guión, Actor de Reparto (dos), Efectos de Sonido, Música y Decoración de Interiores. Desafortunadamente, lo que el viento se llevó ocurrió ese año y el Sr. Wang no pudo ponerse en contacto con la belleza. Al final, sólo ganó la novela original de Louis Forster.

30. Los tesoros de la Sierra Madre bañados en sangre (1948).

Película en blanco y negro de Warner de 1948 dirigida por John Huston y protagonizada por Humphrey Bogart, Walter Heston y Tim Holt.

El director y guionista John Heston ha realizado muchas películas de este tipo, pero esta película sobre la codicia, el miedo y el asesinato es sin duda la más exitosa. La magnífica interpretación del protagonista Humphrey Bogart también es un factor importante.

Su estilo en esta película es de lo más especial. En dos horas de imágenes, lo vemos pasar poco a poco de una persona afable a una persona paranoica, y finalmente matar a su mejor amigo de forma frenética. La razón de su descenso a la locura es el oro, y el tema central de esta película es por qué el oro se ha convertido en una maldición y por qué tiene el poder de destruir los corazones de las personas.

En la novela original, sólo hay una conciencia social muy débil, pero John Huston intensifica sus críticas a los capitalistas, y la palabra "capitalismo" nunca se menciona en toda la película. Oculta sus opiniones detrás de los personajes y acciones de los actores. Este debería ser el mejor método de interpretación para un director brillante, que implica sus puntos de vista personales pero permite que el público entienda.

La fuerte sensación de movimiento de la película radica en la edición y las imágenes nítidas. No hay ángulos extraños para atraer directamente al público. La estructura de la película es muy simple y poderosa.

Obtuvo tres premios: Oscar al Mejor Director, Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto.

31. Annie Hall (1977)

Producida en Estados Unidos, 1977, dirigida por Woody Allen, protagonizada por Woody Allen y Diana Keaton.

Se trata de una comedia romántica con un fuerte tono autobiográfico, coproducida por Woody Allen y su entonces amante Diana Keaton.

En la película, Avisinger y Annie Hall se conocieron en la cancha de tenis. Se enamoraron y vivieron juntas, pero rompieron debido a fricciones en la vida y los conceptos. Después de eso, los dos intentaron volver a estar juntos, pero los resultados no fueron los adecuados.

En general, toda la película no tiene una historia completa, y la estructura es bastante libre y desenfrenada. El diálogo está impregnado de la crítica "intelectual" del mundo por parte de Nueva York, y hay una especie de autodesprecio de Woody Allen que hace reír a la gente. Su estilo de comedia se ha establecido desde entonces.

Además, el vestido neutro de Diana Keaton en la película también marcó tendencia en la moda.

El palmarés de la película es magnífico, incluyendo nominaciones al Oscar a Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Director, Mejor Guión y Mejor Actor (ese año, nominado a los premios BAFTA por "Star Wars"); Premios Globo de Oro a la Mejor Película y Actriz de Comedia/Musical; Premio del Sindicato de Directores al Mejor Director; Premios de la Sociedad de Críticos de Cine Estadounidenses a la Mejor Película y Actriz.

32. El Padrino II (1974) El Padrino II

Producida por Paramount, dirigida por Francis Ford Coppola en 1974, Al Pacino, Robert Denis Protagonizada por Luo, Diana Keaton, Roberto Duvall.