¿Qué es un patrón pop?

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El desarrollo de la cultura “Pop” y el diseño “Pop” británico

Si quieres utilizar un sustantivo Para describir el estilo de diseño de la década de 1960, la palabra más apropiada debería ser "Pop". Esta palabra proviene del inglés popular (popular), sin embargo, cuando se establece con la cultura, el arte, el pensamiento y el diseño de la década de 1960. Después de un contacto cercano, no solo se refiere a la cultura que disfruta el público, sino que también tiene el significado de rebelión contra la ortodoxia, que es la característica más importante de esta época. Entre los países occidentales, el Reino Unido es el país que más refleja el estilo de diseño “Pop”.

Lo que hay que aclarar aquí es la diferencia de significado entre las dos palabras “Pop” y “Popular”. Mucha gente cree que el "pop" surgió de la popularización. Por lo tanto, la cultura "pop" y el arte "pop" son cultura popular y arte popular. De hecho, la cultura popular es la cultura de las masas y la cultura "pop" es la cultura de los intelectuales, pero sólo toma prestadas ciertas formas de la cultura popular. El movimiento "pop" es un movimiento intelectual típico. Algunos de sus contenidos, como las formas artísticas y de diseño, son populares entre los jóvenes, pero esto no cambia su base ideológica ni la postura contracultural de la élite. Richard Haoilton, uno de los representantes más importantes del arte "pop" británico, destacó repetidamente esta distinción en una entrevista televisiva con el crítico estadounidense Robert Hughes.

El diseño “Pop” británico tiene características muy distintivas en este movimiento. Aunque el Reino Unido va a la zaga de otros países desarrollados en el movimiento de diseño moderno, ha mostrado un gran éxito en el movimiento de diseño “Pop”. Las características de moda que surgieron han atraído la atención y la atención de países de todo el mundo, y también han influido en el desarrollo del diseño de otros países.

Aunque debido a errores políticos en la década de 1950, el diseño británico quedó muy por detrás del nivel avanzado internacional y perdió casi por completo el estatus pionero y el papel que tenía cuando se lanzó el movimiento "Arts and Crafts" a mediados -Siglo XIX, sin embargo, en el movimiento "Pop" de la década de 1960, el diseño británico se puso al día rápidamente y logró grandes logros. Especialmente en el diseño de productos de consumo para el mercado interno, se han producido avances muy evidentes que han atraído la atención de países de todo el mundo.

Alguna vez el Reino Unido esperó ponerse al día con el movimiento modernista entre las dos guerras mundiales a través de esfuerzos nacionales, porque cuando Alemania, los Países Bajos, Rusia y los Estados Unidos estaban desarrollando el diseño modernista a un ritmo rápido, el Reino Unido Básicamente se ignora y no ha entrado en absoluto en la verdadera etapa moderna. Desde un punto de vista psicológico, esto es muy natural. Esperamos no quedarnos atrás de los países avanzados, y el camino es superar esta etapa del movimiento de diseño modernista. Aunque es 10 años más tarde que otros, parece que sí. todavía hay tiempo para ponerse al día. Los británicos defienden el "buen diseño". Este eslogan fue propuesto por los alemanes ya a principios del siglo XX. Los británicos sólo lo presentaron después del final de la Segunda Guerra Mundial. Desde el punto de vista de la industria, el diseño británico lleva 30 años de retraso y, de hecho, está demasiado anticuado. También es muy difícil para los propios británicos ponerse al día con los estándares de diseño modernistas de países como Alemania, Estados Unidos, Italia, Países Bajos y Escandinavia. El movimiento "Pop", centrado en la cultura contraortodoxa, simplemente dio a los diseñadores británicos un atajo para evitar la etapa modernista.

Uno de los cambios más significativos en el diseño británico en la década de 1960 fue que ya no perseguía el reinicio del movimiento de diseño modernista, sino que adoptaba las condiciones nacionales e internacionales especiales de ese momento, de acuerdo con las condiciones del mercado. y Las necesidades de los consumidores y la nueva atmósfera que surgía en el mundo cultural en ese momento se utilizaron para abrir un nuevo camino en el diseño. Aunque el diseño modernista tiene las características de prestar atención a las buenas funciones, enfatizar la racionalidad y prestar atención a los objetos de servicio, es un hecho obvio que el estilo es monótono, frío y carece de toque humano para la generación joven nacida después de la guerra. Este estilo ya es la encarnación de conceptos antiguos y obsoletos. La nueva generación de consumidores espera tener su propio estilo de diseño que represente nuevos conceptos de consumo, nuevas posiciones de identidad cultural y nuevos centros de autoexpresión. Las características frías, impersonales y altamente racionales del diseño modernista son obviamente contrarias a sus requisitos. La simplicidad del diseño durante la guerra se debió a la falta de materiales durante la guerra, y el color monótono también se debió a la atmósfera general antes y después de la guerra. Hoy en día, los nuevos consumidores, especialmente los adolescentes, las mujeres profesionales, etc., exigen un estilo que represente su época favorita, la nueva y los colores deben ser atrevidos y fuertes, y el estilo de diseño debe romper con los marcos de estilo antiguo. De esta manera, sólo el diseño puede servir a la nueva sociedad y al nuevo mercado. Sólo de esta manera será posible que el diseño británico e incluso europeo compita con el estilo de diseño internacionalista admirado por los dominantes Estados Unidos, se mantenga por sí solo y forme su propio estilo de diseño nacional contemporáneo, en lugar de estar detrás del diseño internacionalista defendido. por los estadounidenses sigan la tendencia; de lo contrario, el diseño británico no puede tener sus propias perspectivas de desarrollo y futuro reales. Esta comprensión era muy común en la comunidad de diseño británica de esa época, especialmente entre los diseñadores jóvenes. El diseño británico inició así una etapa completamente diferente, la etapa del diseño "Pop".

En esencia, el movimiento de diseño "Pop" es un movimiento de diseño antimodernista, y su propósito es oponerse al diseño modernista desarrollado en torno a la Bauhaus alemana desde 1920. Tradición. Las raíces ideológicas de este movimiento en realidad provienen de la cultura popular estadounidense. Los adolescentes británicos de aquella época se inspiraban en la cultura popular estadounidense, incluidas las películas de Hollywood, la música rock, la cultura de consumo, etc. Creen que la cultura de consumo y la cultura popular estadounidenses están en consonancia con sus propios apetitos, y que la cultura popular es la mejor manera de contrarrestar el estilo internacionalista respetado por la comunidad de diseño estadounidense dominante. Por tanto, la comunidad de diseño británica respondió a las necesidades psicológicas de la juventud británica y lanzó este movimiento. El culto a la materia seca en la cultura popular estadounidense y la continua aparición de diversos productos nuevos resultaron muy atractivos para los británicos que se encontraban en un período de escasez material después de la guerra. Los jóvenes británicos prefieren la música pop estadounidense y se llaman a sí mismos cabezas de huevo. Los diseñadores británicos notaron esta necesidad y diseñaron diseños para satisfacer sus necesidades que estaban en línea con el estilo y la racionalidad internacionalista dominante en ese momento. en contra de las características de diseño de la doctrina y el reduccionismo, dando lugar así al movimiento de diseño "Pop".

El movimiento "Pop" británico se desarrolló bajo la influencia del movimiento "Pop" en la creación artística. El movimiento del arte "pop" apareció por primera vez en una serie de organizaciones independientes entre cuyos miembros se encontraban artistas, críticos, arquitectos y diseñadores. La primera organización británica con sabor "pop" se formó a mediados de la década de 1950, con miembros como Richard Hamilton, Eduardo Borozzi, Reyner Ranham (1917-), John McCall, Lawrence Lawrence Alloway, Alison Smithson y Peter Smithson, entre otros. Se reunieron en el Instituto de Arte Moderno de Londres para estudiar el fenómeno de la cultura popular estadounidense, centrándose en el papel clave de la publicidad, las películas y los estilos de automóviles estadounidenses en la configuración de la cultura popular. Banham plantea la cuestión de la connotación de dinero detrás de la cultura popular estadounidense y propone que los estilos de automóviles estadounidenses contienen símbolos de sexo y poder. En 1956, Hamilton hizo uso de algunos contenidos especiales de la cultura popular estadounidense, como retratos de la estrella de cine estadounidense Marilyn Monroe, televisores, grabadoras, carteles populares, fotografías de muebles estadounidenses, salones, culturistas, raquetas de tenis, etc. pieza se plasmó en una obra llamada "¿Qué es lo que hace que el hogar actual sea tan diferente y tan atractivo?" ", a través de este trabajo de collage fotográfico, la connotación de la cultura popular estadounidense se representa vívidamente y tiene una gran influencia en la generación joven de artistas y diseñadores británicos.

Cuando comenzó el movimiento "Pop", el trabajo de la organización de arte "Pop" británica se centró básicamente en la creación artística. Después de la década de 1960, el arte "Pop" británico se popularizó y surgió un nuevo grupo de. Surgieron artistas "pop", entre ellos David Hockney, Alan Jones, Derek Boscher y Ron KitaJ. Formaron una segunda organización independiente, que también se centró en la creación de arte "pop". Sus motivaciones provinieron de diferentes fuentes, principalmente de otros aspectos de la cultura popular estadounidense, como los cómics, las novelas de ciencia ficción, la publicidad y otros. Un mayor impacto visual, combinado con estos contenidos, refleja la cara de la cultura popular, es decir, la cara "pop".

El arte "Pop" británico se reflejó rápidamente en el diseño. Se puede decir que el Reino Unido es el lugar de nacimiento del diseño "Pop", que comenzó a desarrollarse en el Reino Unido y luego influyó en otros países. Un grupo de jóvenes diseñadores estaban muy descontentos con el monopolio de los estilos de diseño modernistas e internacionalistas y utilizaron el estilo "Pop" para resistir activamente, lanzando así este movimiento de diseño. El mercado al que se dirigen es el mercado de adolescentes adinerados, la generación de consumidores del baby boom de la posguerra. La comunidad empresarial británica también reconoció el potencial de este mercado, aceptó sus diseños, promovió este nuevo estilo de diseño a través de la producción y las ventas y logró buenos resultados en el mercado.

La mayoría de los principales diseñadores del diseño "pop" británico son estudiantes que acaban de graduarse de las facultades de arte. Tienen poca confianza y afecto por la tradición, incluida la tradición del modernismo, y prestan más atención a las tradiciones. Hábitos y favoritos de su propia generación. Por lo tanto, están más motivados para romper con las limitaciones de la tradición. Comenzaron a lograr avances en tres aspectos principales: diseño de producto, diseño de ropa y diseño gráfico, creando así el estilo de diseño "Pop" en estos tres campos básicos: el diseño de producto "Pop" británico, el diseño de ropa "Pop" y el "Pop". El diseño gráfico es muy distintivo. La dirección de los esfuerzos de estos diseñadores es encontrar símbolos visuales y estilos que los representen a ellos mismos, representen a su propia generación e indiquen claramente que representan a alguien distinto a la generación de sus padres. Por lo tanto, han surgido todo tipo de formas extrañas de productos, diversas decoraciones de superficies especiales, diseños de patrones muy especiales y conceptos de diseño poco convencionales. De hecho, fue muy animado y claro durante un tiempo. Pero como se trataba principalmente de una catarsis juvenil, aunque vivaz, rápidamente se evaporó sin dejar rastro. Como dijo Ban Han: El ataque es feroz, pero el poder sostenido es muy débil.

El diseño “Pop” británico enfatiza principalmente la decoración de patrones. Muchos patrones fueron tomados directamente de algunos del arte "pop" de la época, como Jasper Johns, Victor Vasarely y Brigitte Riley. Se utilizan patrones extraídos de las pinturas de Bridget Riley para decorar la superficie del diseño. Las principales fuentes de motivación para el diseño de productos son la tecnología aeroespacial y la inocencia de los niños como fuentes de referencia para la motivación del diseño. Por ejemplo, la cocina está diseñada para ser el espacio interior de una nave espacial y el diseño de moda femenina imita la ropa de los astronautas (Andre ·Andre). el traje plateado de Courréges (los Foi1Suits plateados), o diseñar la moda femenina en el estilo de ropa de niña (el traje de niña de Mary Quant). De hecho, estos propios diseñadores "pop" británicos fueron portavoces activos y optimistas de esa era de abundancia. A través de sus trabajos de diseño, reflejaron esta nueva era de abundancia material que los entusiasmaba, esta era joven.

El diseño “Pop” británico se concentra en el diseño de moda, diseño de mobiliario, diseño de interiores y diseño gráfico. Entre ellos, el diseño de moda es el más destacado. El diseño de moda es también el primer movimiento en el que apareció el diseño "pop" en Gran Bretaña. Su característica más importante es que se centra en la moda para la generación joven, en lugar de la ropa convencional para la generación de mediana edad, y el mercado al que se dirige no es sólo la parte de alto nivel de unas pocas personas poderosas, sino también la más amplia. mercado público. Los diseñadores más importantes incluyen a Mary Quant, Marion Foale, Sally Turrin, Ossie Clack y otros.

El diseño de moda es la expresión más concentrada de la cultura "Pop". Los diseñadores mencionados dan un nuevo significado a la ropa a través de sus diseños, ya sea en términos de materiales o patrones, todos expresan con fuerza las características que quieren enfatizar. Su vestimenta es una nueva declaración para este grupo de adolescentes en esta época. de los tiempos. Este libro no es principalmente una introducción al diseño de moda, por lo que no se analizará en detalle.

El mobiliario diseñado por el "Pop" británico también es muy distintivo. En comparación con la industria del diseño de moda, es más difícil para la industria del diseño de muebles deshacerse por completo de la influencia o las limitaciones de los estilos de muebles tradicionales, porque los muebles tienen las características de ser más duraderos y más relacionados con los estilos tradicionales. Por lo tanto, no es una reforma completa. fácil. . Durante mucho tiempo, a excepción de los diseños de muebles modernistas e internacionalistas, que son revoluciones integrales y avances completos en la tradición, otros diseños de muebles todavía tienen una fuerte influencia tradicional. En los años 50, los muebles eran modernistas o tradicionalmente eclécticos, no parecía haberlos. otro camino a seguir.

Sin embargo, a mediados de la década de 1960, el estilo "Pop" finalmente apareció en el diseño de muebles británico, rompiendo por completo la tradición y rompiendo las limitaciones del modernismo y el internacionalismo. Los muebles "pop" británicos se promocionaron principalmente a través de la tienda minorista de muebles "Habitat" de Terence Conran. Su tienda de muebles se abrió originalmente en 1964. Más tarde, debido al éxito del negocio, gradualmente se convirtió en un centro profesional especializado en la venta de muebles y productos para el hogar baratos, de colores brillantes y especialmente diseñados, cuyo mercado objetivo eran los adolescentes. Los muebles y suministros aquí son de colores muy simples, pero coloridos y de formas concisas. Aquí también se venden cerámicas y joyas baratas, muchas de las cuales son importadas de países escandinavos. Debido al distintivo estilo "Pop", son muy populares entre los adolescentes y el negocio está en auge.

Además de "Habitat", también hay algunos diseñadores individuales en el Reino Unido que se dedican a explorar el diseño de muebles de estilo "Pop". Uno de ellos es Peter Mudosh, quien diseñó sillas de papel decoradas con letras en inglés en la superficie (en realidad hechas de tablero de fibra, pero hechas con tecnología de apilamiento de papel, que se parece mucho a los productos de papel), que es barata y expresiva. " características. Otros diseñadores de este tipo son Max Clendenning con sus muebles de rompecabezas y Roger Dean con sus sillas inflables; todos estos diseños tienen características de juego, colores brillantes, formas especiales y, a menudo, tienen características psicológicas cínicas de adolescente. El mensaje que transmiten es muy claro: en la cultura de masas y la nueva civilización de materiales desechables, el funcionalismo ya no es la primera consideración en el diseño. Los diseñadores deberían prestar más atención a los requisitos de segmentación del mercado y tratar de satisfacer las necesidades psicológicas de los consumidores, en lugar de limitarse a crear muebles funcionalistas clásicos que sean duraderos y que funcionen bien. Este fenómeno de la cultura "pop" no sólo fue muy apreciado por los jóvenes del Reino Unido y de los países europeos en los años 1960, sino que, al mismo tiempo, incluso las instituciones formales de diseño británicas, como la Asociación Británica de Diseño, tuvieron que afrontarlo porque Ya no era sólo una exploración de las expresiones personales de unos pocos intelectuales jóvenes, el "pop" se ha convertido en un fenómeno cultural, comercial y económico.

Sin embargo, el propósito del movimiento "Pop" de perseguir la novedad, la excentricidad y la novedad carecía de una base sólida en la cultura social, por lo que, aunque surgió con fuerza, desapareció muy rápidamente. Desde mediados de la década de 1960, los esfuerzos del diseño "pop" por encontrar motivaciones de diseño a partir de la novedad han sido ineficaces. La pura búsqueda de la novedad ha hecho difícil encontrar estilos más excéntricos para sostener el desarrollo de este movimiento. Por tanto, existe una situación de búsqueda de referencias en los estilos históricos. Específicamente para las fuentes de referencia de diseño de la comunidad de diseño británica, hay principalmente dos estilos que se utilizan como referencia: uno es el estilo victoriano, que durante mucho tiempo ha sido criticado por la comunidad de diseño como vulgar y pretencioso, y el otro es el británico " Arts and Crafts” que surgió a mediados del siglo XIX. “Estilo deportivo. Esta es una transformación muy extraña, porque al principio, "Pop" tomó la posición básica de negar la tradición. Al final, volvió a la historia para encontrar referencias de estilo, lo que se puede decir que es un poco irónico. También puede ilustrar cuán débil y poco confiable es explorar el desarrollo puramente en términos de forma.

La primera aparición de esta reversión fue el diseño de ropa, especialmente los patrones de ropa. A finales de la década de 1960, muchas prendas "Pop" comenzaron a utilizar patrones de estilo victoriano. Más tarde, el estilo victoriano apareció como motivo decorativo. En superficies de muebles, cortinas, manteles y otros elementos, con el paso del tiempo, el diseño "Pop" británico no sólo adopta los estilos de Victoria y Arts and Crafts, sino también Edwardiana, estilo de movimiento "Art Nouveau", "Art Deco", "Sports". El estilo, etc., también aparecieron juntos. Un movimiento con la antitradición como núcleo, un movimiento que hacía alarde de estilo juvenil, finalmente se convirtió en una mezcolanza de estilos históricos. Se puede decir que este movimiento ha llegado a su fin.

Este fenómeno retro en el movimiento de diseño "Pop" británico se concentra más en el diseño de carteles, diseño de portadas de discos, diseño de tiendas, diseño de escaparates y otras áreas donde el diseño gráfico se utiliza ampliamente. Entre ellos, los diseñadores más importantes incluyen a Martin Sharp y otros, que simplemente adoptaron el estilo decorativo del movimiento "Art Nouveau", especialmente Alphonse Muca, los dos pintores principales del movimiento "Art Nouveau" Mucha) y Aubrey Beardsiey (Aubrey). Beardsiey) estilo de ilustración como referencia para su propio diseño. Además, también tomaron prestados muchos motivos decorativos de Oriente, especialmente de las religiones orientales (como el budismo) como referencia. El diseño gráfico de su época tiene una característica muy extraña, una característica retro para la generación joven de la inmediata posguerra. Esta tendencia del diseño retro pronto se extendió a Estados Unidos y Francia. En Francia, cuando surgió el estilo "Pop" más retro, heredado del Reino Unido, los franceses inmediatamente le dieron un nuevo nombre: "estilo retro". Este estilo retro duró en el Reino Unido hasta la década de 1970, más tiempo que el auténtico "Pop" temprano.

Además de ser de estilo retro, el diseño "Pop" británico, así como el diseño "Pop" de Estados Unidos, Francia y otros países que luego fueron influenciados por él, también mostraron un renacimiento. de artesanías tradicionales. Por ejemplo, el amor por los muebles escandinavos, ya sean muebles, joyas, diseño textil, diseño de ropa, diseño de productos metálicos, etc., está diseñado y producido a mano o imitando la artesanía tanto como sea posible para lograr las características de la artesanía. Básicamente repite el trabajo realizado por el movimiento británico "Arts and Crafts" y el movimiento europeo y americano "Art Nouveau" desde mediados del siglo XIX. Esto es muy especial en una era en la que la tecnología aeroespacial está muy desarrollada y la tecnología electrónica cambia cada día que pasa. También fue una reacción contra el "pop" temprano de la década de 1950.

Desde finales de la década de 1960, el movimiento de diseño "Pop" británico ha experimentado fenómenos que han hecho que sus características de estilo sean cambiantes y es muy difícil determinar su estilo unificado. Se puede decir que el diseño "Pop" británico tiene varias características eclécticas, pero también tiene un punto básico unificado: es una reacción contra el diseño modernista e internacionalista ortodoxo. Desde este punto de vista y postura, todos los diseñadores pertenecientes a este movimiento lo son. básicamente lo mismo.

El movimiento de diseño "Pop" es una tendencia de diseño formalista. Sus antecedentes están relacionados con la "sociedad opulenta" occidental cada vez más formada después de la guerra, el mercado de consumo juvenil y la postura rebelde, especialmente hacia el modernismo. El diseño está estrechamente relacionado con la antipatía hacia el diseño internacionalista. Precisamente porque este movimiento explora básicamente dentro del círculo del formalismo y no tiene una base ideológica más profunda, su forma sigue cambiando y nunca ha podido convertirse en un movimiento de diseño unificado.

La propuesta del concepto de ética del diseño

Durante este período, en medio del ajetreo y el bullicio del movimiento de diseño "Pop", algunas personas comenzaron a plantear seriamente la cuestión del "diseño". Propósito" desde la perspectiva de la teoría del diseño. Este es un punto de partida muy importante para la ética del diseño moderno y la teoría del propósito del diseño moderno. Es precisamente gracias a este punto de partida que las futuras teorías del diseño se desarrollarán más profundamente.

Quien planteó esta cuestión es el teórico del diseño estadounidense Victor Papanek.

Publicó su libro más famoso "Diseño para el mundo real" a finales de la década de 1960, a través del cual propuso sus nuevos puntos de vista sobre el propósito del diseño. El teórico planteó claramente tres cuestiones principales en este controvertido libro de la época:

l) El diseño debe servir a la gente en general, no a unos pocos países ricos. Aquí, enfatizó particularmente que el diseño debe servir a la gente del tercer mundo;

2) El diseño no debe sólo servir a las personas sanas, sino que también debe considerar servir a los discapacitados

3 ) El diseño Deberíamos considerar seriamente el uso de los recursos limitados de la Tierra, y el diseño debería servir para proteger los recursos limitados de la Tierra en la que vivimos.

Sus perspectivas teóricas protegen factores importantes que han sido ignorados desde el surgimiento del diseño moderno. Fue la primera vez que propuso que el diseño debe ser considerado desde un punto de vista internacionalista y servir a la gente de los países del tercer mundo. También fue la primera vez que planteó claramente la cuestión del diseño para las personas discapacitadas, lo que es más importante; La consideración de los recursos limitados de la Tierra en el diseño No mucha gente entendió este punto en ese momento. Sin embargo, desde que estalló la crisis energética mundial a principios de la década de 1970, la visión de Babanac sobre los recursos limitados ha sido generalmente reconocida.

Después de la publicación de este libro, fue inmediatamente traducido a más de una docena de idiomas extranjeros y se convirtió en un material de lectura para diseñadores y estudiantes de diseño de todo el mundo en el clímax de la sociedad de consumo y acomodo. sociedad y diseño "pop", este libro Este libro hace sonar la alarma con mucha calma para las personas: el propósito del diseño debe ser claro y el diseño debe servir a la sociedad en su conjunto. La teoría de Barbanac fue considerada herética por la comunidad de diseño estadounidense. En 1991, él mismo le dijo al autor de este libro en Los Ángeles: Debido a este libro, fue expulsado de la Sociedad de Diseñadores Industriales de América a fines de la década de 1960 porque estaba Teóricamente. alarmista. El grado de seccionalismo y conservadurismo en la comunidad de diseño estadounidense en ese momento era inimaginable. Sin embargo, el impacto significativo de este libro ya no puede eliminarse.

Después de Babanac, cada vez más diseñadores y teóricos del diseño comenzaron a reexaminar el diseño en sí desde estas perspectivas serias, lo que produjo muchos resultados muy fructíferos. La gente empezó a mirar el diseño escandinavo desde una perspectiva diferente y descubrió que este sistema de diseño contenía muchos factores razonables a los que antes no se les prestaba mucha atención. Los diseñadores escandinavos han considerado durante mucho tiempo la protección de los recursos naturales. Sus diseños están dirigidos a la sociedad en su conjunto, no sólo a unas pocas personas poderosas. Ergonolu itoam, un grupo de diseño sueco, ya había comenzado a diseñar vajillas y cubiertos para personas con discapacidad ya en los años 60. Estos resultados fueron ampliamente estudiados y estudiados después de que Barbanak expusiera sus puntos de vista, mejorando así el nivel del diseño en su conjunto, y el diseño ya no es solo un movimiento de formalismo.

La contribución más importante de Babanac es que propuso el concepto de ética del diseño. El propósito del diseño no es sólo servir a los propósitos funcionales y formales inmediatos. La importancia más importante del diseño es el diseño en sí. tiene la capacidad de dar forma a la sociedad. Los factores del sistema y, por lo tanto, las consideraciones de diseño también deben incluir factores de corto y largo plazo para la sociedad. El modernismo propone el diseño para el público, pero desde la perspectiva de la ética del diseño contemporáneo, el diseño también debe considerar el propósito del tercer mundo, para la gente de los países en desarrollo, así como el equilibrio ecológico y la inclusión de los recursos naturales. Esta consideración ha profundizado enormemente el nivel del pensamiento de diseño y promovido el desarrollo de conceptos de diseño.

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