¿Qué es la arquitectura hecha a mano?
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Sobre el tecnicismo
¿Leonardo? La profundidad de Leonardo da Vinci, la magnificencia de Miguel Ángel, la elegancia y el encanto de Rafael y la libertad y audacia de Tiziano condensan las grandes características del Renacimiento y plantean un desafío insuperable para el desarrollo futuro del arte occidental según la historia. libros de texto, la época detrás de estos maestros fue el Renacimiento tardío. El llamado período posterior es el período en el que el arte comienza a declinar. Los artistas imitan superficialmente a los maestros anteriores sin tener sus propias ideas originales. Este período duró unos 75 años hasta el período Barroco. Los historiadores han dado a estos 75 años de arte italiano un nombre unificado: el Período Tecnológico. El término, originalmente despectivo, caricaturizó a un grupo de pintores de Florencia y Roma que imitaban ciertos aspectos de Rafael y Miguel Ángel para crear un estilo artificial. Hoy en día, los historiadores del arte ya no ven el arte de este período desde esta perspectiva. En general, reconocían su creatividad y creían que el arte artesanal era en realidad una rebelión contra el equilibrio clásico del arte en el apogeo del Renacimiento. Este estilo apareció por primera vez entre los pintores jóvenes de Florencia. 1521, Rosseau? "La Crucifixión de Cristo" escrita por Florentino expresa plenamente este nuevo concepto artístico. Contra el fondo del cielo profundo, las figuras se extienden como telas de araña. Esta composición de cuadrícula diagonal tiene un impacto sorprendente, sin precedentes en la historia de la pintura. Las figuras del cuadro están excitadas pero con fuerza, como si su inquietud hubiera sido congelada por una repentina lluvia helada. Los colores ásperos y la luz brillante pero irreal realzan el efecto de pesadilla de la escena. En este cuadro, el artista pretendía presentar una "imagen interior" subjetiva, incluso ilusoria. Si el arte italiano del Renacimiento combinaba armoniosamente el arte clásico y la naturaleza, entonces el arte del período artificialista permitió que esta imagen interior anulara la autoridad dual de la naturaleza y los pueblos antiguos, creando un estilo inquietante, único, obstinado e imaginativo para expresar lo más profundo. inquietudes del alma humana.
Este tipo de ansiedad mental tiene sus raíces en el propio pintor. Pontormo, el amigo pintor de Rosso, era excéntrico y tímido, y finalmente se encerró en casa, aislándose del mundo exterior.
Hace semanas que no veo a mis amigos. Su sensible boceto "El ejercicio de la niña" encarna plenamente su propio carácter. El pintor miró ansiosamente el vacío frente a él, como si recordara vagamente algún tipo de trauma mental, con la esperanza de retirarse por completo del mundo exterior a un lugar seguro.
El estilo de Rosseau y Pontormo fue esencialmente anticlásico y representó la primera fase del período de la Técnica, que pronto será superada por su otra vertiente. En esta etapa, el artista ya no representa la confusión de la mente, sino que presta más atención a los cambios formales en la imagen misma. No se opone abiertamente a la tradición clásica y presta poca atención a los sentimientos subjetivos, pero aún así se desvía esencialmente del estilo seguro y estable del Renacimiento. El autorretrato de Pamir Giannino representa esta tendencia. En la pintura se puede ver que el pintor parece amable y bien vestido, y que el cuadro está envuelto en una sutil neblina multimodal leonardiana. La transformación de los personajes no es aleatoria, sino intencionada. De hecho, esta transformación es el tema de todo el cuadro. La pintura registra el reflejo del artista en una lente convexa. En el pasado, los pintores utilizaban espejos para ayudar en la observación, como Fan? Eicke una vez examinó imágenes a través de espejos para eliminar la distorsión, y también usó espejos para reflejar directamente la misma escena en la pintura para aumentar la autenticidad de la imagen. ¿Por qué Pamir Giannino estaba tan interesado en pintar autorretratos vistos a través de un espejo? Planeaba utilizar espejos en lugar de cuadros. En realidad, sus pinturas están pintadas sobre paneles transparentes convexos que preparó especialmente para que parezcan una lente convexa. Quizás esté tratando de demostrar que no existe una única realidad exacta y que la deformación es tan natural como el estado normal de las cosas. Sin embargo, su distanciamiento científico pronto pasó al otro extremo. Parmigiano, como Rafael y Giorgione, fueron pintores de corta duración. Vasari registró en "Quién es quién" que antes del final de la vida de Parmeggianino, estaba obsesionado con la alquimia y se entregaba a ella todo el día, olvidándose de limpiarse. "Tiene una barba poblada, el pelo le llega hasta los hombros y está distraído. Se ha convertido en un salvaje". Es completamente diferente del pintor del autorretrato cuidadosamente vestido.
Parmagnano vivió en Roma durante varios años. Poco después de regresar de Roma a su ciudad natal de Parma, creó su famoso cuadro "La Virgen del Cuello Largo". En Roma debió estudiar detenidamente las obras de Rafael. En "Nuestra Señora de Cuello Largo", podemos sentir la belleza y el encanto de Rafael, pero él transformó a la madre biológica de Rafael en un nuevo tipo. Suaves como el marfil, las esbeltas extremidades sugieren vagamente un ideal de belleza tan alejado de la naturaleza como las figuras bizantinas. Las escenas de personajes también están construidas al azar. Una hilera de enormes columnas domina sin rumbo fijo la escena central del cuadro. Frente a él se encuentra un profeta desproporcionado con respecto a las columnas. El pintor parece confundir deliberadamente nuestras expectativas e impedirnos medir todo lo que hay en el cuadro con los estándares de la experiencia cotidiana. En este sentido podemos entender el significado de tecnicismo, que se refiere principalmente a un estilo "artificial". "Artificial" es una palabra neutral, con un significado despectivo de "artificial".
"The Long Neck" es un video perfecto con un estilo obviamente "artificial", y su encanto frío y poder conmovedor no son menos que la violencia de Rosso.
El arte exquisito revivió en cierta medida la tradición pictórica del arte medieval. Leonor de Toledo por Bronzino y su hijo Giovanni? ¿Virtud? Medici es un ejemplo típico. Lo primero que nos llama la atención es el hermoso y complejo patrón de vestimenta de la persona en el cuadro. La cabeza de la persona pintada en esta lujosa vestimenta es inexpresiva, como una hermosa y suave estatua de porcelana, sin personalidad, como un miembro superior. de una sociedad jerárquica. Por lo tanto, el arte artesanal está particularmente en línea con los gustos de algunos príncipes y nobles. El Gran Duque de Toscana admiraba este estilo, al igual que el rey Francisco I de Francia. La artesanía pronto se convirtió en un estilo internacional, al igual que el arte gótico.
Este estilo de técnica comenzó en Florencia y floreció en Venecia. Tintoretto es una figura representativa del arte veneciano. Tintoretto estudió pintura en el estudio de Tiziano, donde aprendió las técnicas pictóricas de su maestro. Sin embargo, es un artista original. Como se mencionó anteriormente, el tecnicismo florentino tiene dos tendencias, una es anticlásica y la otra es grácil y elegante. Tintoretto quiso combinar estas dos tendencias en una sola. Al mismo tiempo, según la leyenda, decidió "pintar como Tiziano y diseñar como Miguel Ángel". Lo que quería decir era combinar los colores de Tiziano y los bocetos de Miguel Ángel para crear un arte nuevo y único. De hecho, la relación de Tintoretto con Tiziano y Miguel Ángel es tan extraña como la relación de Parmaggnano con Rafael. Tintoretto prefiere composiciones con un fuerte sentido de la perspectiva e incluso composiciones abruptas. Los personajes de sus obras tienen diferentes posturas, que a menudo tienen un fuerte efecto acortador. Creció en un ambiente de contrarreforma. Era extraordinario, lleno de ferviente piedad, pero siempre cambiante. Su carácter es completamente opuesto al de su maestro Tiziano.
Las pinturas religiosas de Tintoretto están llenas de inspiración emotiva. De pie frente a su obra maestra "La Pasión de Cristo", nuestras almas quedarán inmediatamente conmocionadas, como escuchar un trueno, y nos quedaremos perdidos y tropezaremos como los personajes del cuadro. La pintura es un panorama que se extiende de pared a pared, cubre los tabiques y llega hasta el techo. La figura del primer plano es más grande que la vida real y muchas otras figuras tienen grandes movimientos y un fuerte sentido de la perspectiva. Sin embargo, esta multitud aparentemente mezclada formó un todo unificado dramático bajo la luz ilusoria. Cristo fue clavado en la cruz de forma aislada, y las fuertes líneas diagonales de la imagen se cruzaron en Cristo, formando un doble triángulo en el centro de la imagen, tirando firmemente de toda la imagen turbulenta y resaltando las imágenes y tramas principales.
Las complejas y turbulentas imágenes de Tintoretto siempre nos producen un shock mental tan grande que no tenemos tiempo para apreciar los maravillosos detalles de sus pinturas. "La Última Cena" es una obra importante de su última época y la más llamativa. ¿Lo sabemos hace un siglo, Leonardo? Leonardo da Vinci creó una obra maestra sobre el mismo tema. Las pinturas de Tintoretto niegan por completo los valores clásicos encarnados en las obras de Leonardo. Aunque la imagen de Cristo todavía está en el centro de la imagen, la mesa del comedor ya no está en el lado opuesto de la imagen, sino que está inclinada, creando una fuerte sensación de perspectiva en la imagen, lo que reduce enormemente la imagen de Cristo sentado. En el centro sólo podemos mirar la imagen sobre su cabeza. Un halo brillante confirma esta imagen. Es evidente que el artista pintaba escenas de la vida cotidiana más que temas religiosos. No sólo se representan los Doce Apóstoles, sino que también hay otros. Había por todas partes vasijas para comida y vino, así como pequeños animales domésticos. La escena era ruidosa y desordenada, llena de la atmósfera de la vida diaria.
Sin embargo, los pintores no pintaban estas cosas para pintar escenas cotidianas. Su objetivo era crear un contraste dramático entre los mundos natural y sobrenatural a través de esta atmósfera. En la imagen hay participantes terrenales, así como participantes del cielo. El humo de la lámpara de aceite encendida se transformó mágicamente en una nube sobre la cual volaban ángeles, volando hacia Cristo que estaba repartiendo pan y vino (que representaban su cuerpo y sangre) a los apóstoles. El traidor Judas estaba sentado al otro extremo de la mesa, demasiado pequeño para que alguien pudiera notarlo. La principal intención de Tintoretto en este cuadro no era mostrar la conmoción que causaron los apóstoles cuando escucharon al Señor decirles que alguien lo iba a traicionar, sino recrear en una imagen visual el milagro de la transustanciación: el pan y el vino seculares eran Cómo llegar a ser el cuerpo y la sangre de Jesús después de ser consagrado en la Misa.
Después de Tintoretto, el pintor más importante de Venecia fue Veronés. Los dos pintores tienen estilos muy diferentes. Pero ambos son estrellas a la vista del público. La obra representativa de Veroni es "Jesús de la casa de Leví", que tiene el mismo tema que "La Última Cena" de Tintoretto, pero la técnica de expresión y la concepción artística son completamente diferentes. En primer lugar, Tintoretto involucra a los personajes del cuadro en una escena inquieta y caótica, haciéndonos imposible ver los detalles del cuadro con claridad. Es como la sinfonía de Beethoven, que de repente lleva nuestras emociones al clímax, mientras Veroni restaura la calma del cuadro, con el objetivo de permitirnos participar con calma en las actividades del cuadro y reconocer cada movimiento de las personas que nos rodean. No hay ningún atisbo de trascendencia en sus pinturas. A primera vista, la pintura parece pertenecer al Alto Renacimiento, medio siglo atrás. Si se mira de cerca, esta pintura carece del concepto ideal del hombre que se enfatizó en el arte del apogeo del Renacimiento. Veronés pintó una fiesta china, una fiesta agradable a la vista, pero que no tenía intención de mostrar "la intención del hombre como alma". No sabemos qué historia de Cristo estaba tratando de describir.
La pintura despertó el disgusto de la iglesia, y fue demandado por blasfemia al agregar "payasos y otras cosas vulgares y estúpidas" a la pintura. No fue hasta que fue citado a juicio que le dio al cuadro su nombre actual. Veroni ha negado las acusaciones en su contra, insistiendo en que tiene derecho a describir detalles directamente de su vida, por "inapropiados" que puedan ser. Veroni no le daba mucha importancia al tema de la pintura, porque creía que todo el mundo visible era el ámbito de expresión del pintor, y dentro de este ámbito sólo reconocía una autoridad, es decir, sus sentidos y sus ojos, y todas las demás autoridades deberían ser rechazadas. Esta impactante visión, por supuesto, habría encontrado una feroz oposición por parte de la Era de Verona. No fue aceptado hasta el siglo XIX. Los pintores impresionistas también estaban ansiosos por publicar eslóganes al estilo Correggio y salir al aire libre a pintar lo que veían con sus propios ojos.
En este sentido, se puede decir que Correggio es el pionero del arte realista occidental