Diccionario de Música Flamenca
En cualquier caso, la música flamenca tiene una estrecha conexión con los gitanos. Los centros del arte flamenco siguen siendo lugares donde viven los gitanos tradicionales, como Cádiz, Alcalá, Utla, Jerez, Sevilla, etc.
A principios del siglo XIX, el flamenco se convirtió en la taberna y mesón de Andalucía, utilizado para entretener a invitados, viajeros de negocios y prostitutas. Al principio, los intérpretes eran gitanos pobres y amigos acompañantes (payos, como llaman los gitanos a los no gitanos), aficionados. Poco a poco, algunos artistas destacados se convirtieron en cantantes profesionales. En ese momento, Cantorus, armado con una guitarra y bailarines, comenzó a actuar en fiestas privadas y mercados.
Hacia 1850 el flamenco se representaba en los cafés y muchos artistas destacados actuaron en los cafés de moda de Sevilla, Madrid y Andalucía. En ese momento, los marineros de la flota colonial española regresaron a casa e infundieron la música de Cuba, Puerto Rico y Argentina en el flamenco. Este tipo de flamenco se llama música de dos vías e incluye milongas, colombas y guajiras.
Durante el periodo 1870-1900, las representaciones flamencas se hicieron cada vez más populares. Pero a partir de 1910 los cafés flamencos decayeron y fueron sustituidos por la llamada ópera flamenca, que fue un método de evasión fiscal por parte de los organizadores y se convirtió en un espectáculo cultural libre de impuestos. En respuesta al nombre de la ópera flamenca, las representaciones flamencas pasaron gradualmente de los pequeños cafés a los grandes teatros. Los cambios en el espacio escénico y los cambios cuantitativos en la audiencia afectaron los cambios cualitativos, y la pureza de las actuaciones flamencas se debilitó gradualmente. Reconociendo la mala calidad del flamenco, el compositor clásico Manuel de Falla buscó el apoyo de artistas e intelectuales y organizó el Concurso de Canter Flamenco en Granada en 1922. Sin embargo, el movimiento de reactivación del flamenco no se puso en marcha hasta 1950, con el esfuerzo conjunto de innumerables artistas, escritores e intelectuales. Algunos han escrito libros, otros monografías explorando las raíces del flamenco. Las discográficas también grabaron las obras de muchos grandes cantaores, y muchos pubs y peñas flamencas dedicados a la interpretación flamenca comenzaron a promocionar el flamenco clásico por toda España.
El flamenco es un arte escénico y una forma de cantar de fama mundial, y en él también se implican las nuevas generaciones de cantaores, que buscan la posibilidad de integrar el flamenco con otras músicas. En el arte del flamenco, esta forma musical se llama palos. ¿Cuantos palos hay en el flamenco? Según la mayoría de las investigaciones bibliográficas, existen alrededor de 60 tipos de música flamenca, la mayoría de las cuales se originan en Cádiz, Sevilla, Málaga, Granada y otras provincias de Andalucía, y algunas de los vecinos Egipto. En términos de expresión emocional, el flamenco se puede dividir a grandes rasgos en tres categorías: cante jondo (canciones profundas), intermedio (canciones ordinarias) y cante chico (canciones relajadas) con un ritmo enérgico, que expresa emociones felices.
Estas más de 60 formas musicales se dividen en varias familias en función de sus melodías similares. Las cuatro familias más importantes son los Solears, Siguiriyas, Tangos y Fandangos, de las que se desarrollaron más de 30 melodías. Cada palo representa una emoción concreta, y para expresar esta emoción hay que acompañarla con letras, como el fandango para la vida cotidiana, las soleares para las cosas solemnes, las siguiriyas para la tristeza, etc.
1. solares
Soleaares es el plural y sole es el singular. Solea proviene de la deformación de soledad, que significa soledad. Algunas personas dicen que la forma musical "Solia" es la piedra angular de la música flamenca. Expresa emociones trágicas y describe cosas oscuras. De todas las formas musicales del cante jondo (canción profunda), las soleares son las más arquetípicas y puras. A menudo vemos que los cantes flamencos utilizan el plural soleares, lo que significa que un cante utiliza más de una coplas. Las coplas generalmente se refieren a antífonas, cuatro versos de ocho sílabas, con el segundo y cuarto verso rimando.
Soleares, como la mayoría de patrones flamencos, tiene 12 tiempos por compás, tomados como 3/4, pero divididos en 6/8. El acompañamiento de guitarra es muy rápido, por lo que suena como 6/4 y 3/2. En la terminología flamenca, los patrones rítmicos se denominan ritmos. Generalmente, cuando el cantaor canta soleares, antes de entrar en una nueva coplas (verso), es libre de utilizar algunos sonidos decorativos como introducción a esta coplas, que es similar a la naturaleza del cantaor, en terminología flamenca se llama salia o melisma. Al cambiar de coplas, el guitarrista puede tocar un solo libre a modo de interludio entre las dos coplas. También existen reglas estrictas para bailar con soleares. El primero es el calentamiento del cantante. Durante este período, el bailarín sale de las kampas, el cantante canta las kampas completas en tiempos de 6/8 y 3/4, seguido de la llamada del bailarín y la ejecución en solitario de los pasos, y finalmente con un ritmo más rápido. Las bulerías termina el formulario.
2. Tango
El tango en el flamenco nada tiene que ver con la música de tango argentino. Este es el más ligero de los modos flamencos antiguos. Bajo la categoría amplia de tango, hay tres variaciones: tangos, tientos y tanquillo. Según las investigaciones, los tangos se originaron en la zona costera de Katiz. La palabra tangos proviene de una antigua danza local. Su estilo enérgico recuerda el sonido de los cascos de los caballos en la época de las caravanas.
Según el análisis del estudioso Antonio España, el modo de tangos se caracteriza por el uso de dos modos de compás. En comparación con otros modos, la estructura de compas es relativamente simple, fácil de escuchar y fácil de crear una atmósfera agradable. Hay rasgos vocales en algunas notas que duran varios tiempos, así como la interpretación de Melisma. Debido a que los tangos son fáciles de entender e incluso pueden despertar la resonancia del público, a menudo se utilizan como final de conciertos solistas, llevando la atmósfera a un clímax tenso. Tiento y tangos son ambos compas rodados en 2/4 y 4/4. Sin embargo, aunque el tiento también se clasifica como cante chico debido a su atmósfera alegre en comparación con los tangos, su velocidad lenta y su estilo de canto solemne poco a poco se van convirtiendo en música profunda. Se pone especial énfasis en los altibajos de los tiempos fuertes.
Según investigaciones, tiento es un joven integrante de la familia de los tangos, formada a principios del siglo XX y con origen en Katiz. Los lugareños intentan frenar el tango, y los complejos cambios de gracia hacen que sus emociones se tensen y llenen, pero por lo general el final a veces se acelera hasta el tango. En cuanto a la guitarra, aunque pertenece a la familia de los tangos, el planteamiento de Lasgaido se acerca más al tanguillo.
El tanguillo es el canto y baile más relajado y alegre de la familia de los tangos, y también tiene su origen en Katiz. Muy popular entre el público, como en los eventos del Carnaval de Katiz, las Murgas solían cantar modos tangelo. Las llamadas Murgas son un grupo amateur de canto y danza que interpreta canciones satíricas.
3. Fandango
Según las investigaciones, el fandango se originó a partir de la invasión árabe de España (hacia el año 711) y es una canción y danza folclórica muy antigua. Generalmente se cree que se originó en el dúo Jota de Argonne en el norte de Andalucía. Casi todas las regiones de Andalucía tienen sus propios fandangos.
Básicamente, se divide en dos formas principales, una es Dafandange (Gran Fandange) y la otra es Xiaofandange (Pequeña Fandange). La melodía que solemos escuchar es animada, pero Little Fandango.
Existen varios tipos de fandanguillos, entre ellos el fandango de Huelva, el fandango de Lucena y el fandango de Almería. También existe un tipo de verdiales, originario de la región de Málaga, también llamado fandango de málaga.
En términos generales, el fandango grande no es adecuado para presentaciones de danza, pero el fandanguillo aún mantiene la forma temprana de canto y baile, usando compases de 3/4 o 6/8 para mantener reglas estrictas de ritmo.
Según las investigaciones de Antonio España, el fandango grande se formó en la época dorada del flamenco, es decir, los años 20. Algunos cantantes experimentaron con fandangos, abandonando patrones rítmicos fijos (compas) e improvisando libremente con el ritmo, realzando la expresión del melisma. Aunque la parte de acompañamiento de guitarra todavía usa el ritmo de 3/4 de los fandangos, la parte de canto abandona por completo el ritmo fijo, lo que hace que la estructura musical sea muy débil a primera vista, y solo el cantante principal puede controlarla libremente. Esto permite que el fandango grande se muestre. su fuerza perfecta. Por tanto, su desempeño tiende a ser profundo. El fandango en sí pertenece al cante chico en términos de expresión emocional, pero el fandango grande es cante jondo.
4. Sigiriyas
Las siguiriyas son una lengua gitana, su origen no ha sido confirmado. Algunas personas piensan que los gitanos pronunciaban mal seguidilla como siguiriyas. La seguidilla es una antigua danza folclórica de Castilla y no hay nada intermedio. Pero según "Flamenco: The Early Years" escrito por Paco Sevilla, la primera partitura flamenca apareció en una ópera italiana en 1779, en la que el modo utilizado eran las siguiriyas.
"Canción de Abril" es Canter Jondo, el modo más profundo del flamenco. Sus letras exploran mayoritariamente la muerte, la soledad de la existencia, el amor desesperado, la depresión, la desesperación y la soledad. Antiguamente a las siguiriyas también se las llamaba playeras, que significa “barrenderos profesionales”, lo que demuestra la tristeza de este modelo. Las siguiriyas son el mayor reto para los cantaores, pero también para los oyentes. Un estudioso del flamenco dijo una vez que cuando se escucha por primera vez en directo a un cantaor de Sigiriya, es mejor no acercarse demasiado al cantaor, porque los oídos no lo soportarán.
Entre los cuatro modos principales del flamenco, las solears y las siguiriyas son el cante jondo. A Solears se le llama la madre del cante jondo, y las siguiriyas nacieron en la época dorada del flamenco. Sus compas pertenecen a compases de 3/4 y 6/8, y las reglas rítmicas son estrictas. El compás comienza en el segundo tiempo de 3/4 y termina en el primer tiempo del segundo 3/4. A las 6/8, Compass comienza en el tercer tiempo. Sin embargo, algunos estudiosos sostienen una opinión diferente. Blas Vega cree que los compas de las siguiriyas son en realidad en compás de 7/8, dividido en 2 2 3, o dos negras consecutivas más tres corcheas. De todos modos, las suguiriyas tienen casi libertad para disparar cuando cantan, lo que crea un contrapunto al compás acompañado de guitarra. En general, las siguiriyas rara vez utilizan la danza para cantar porque es demasiado difícil y pocos bailadores pueden expresar la profundidad y potencia del cantante. En cuanto al acompañamiento de guitarra, Nino Ricardo es reconocido como el mejor intérprete.
5.Buleriasx
La palabra es una combinación de bulla (ruido) y buria (burla), que significa burlarse e imitar el ruido, expresando plenamente las características de este modo.
Nadie sabe dónde se originaron las brulelias, pero la mayoría de los estudiosos creen que este modo se originó a partir de la versión rápida de las alleglias de Jerez, que está llena de diversión y energía. Para bailarines y guitarristas, las bouillas son el máximo desafío. Es el ritmo más difícil de un tema flamenco, pero también es la esencia del flamenco. Por muchos temas que sepa un músico o cantaor, no se le puede llamar músico flamenco si no sabe tocar boulereas. Aunque también tiene una estructura de ciclo de doce tiempos, el ritmo es muy flexible y lleno de improvisación y cambios de melodía. Debido a su ambiente animado, a menudo se considera el final de un concierto. 1. Magia
En la terminología flamenca, el cantaor se llama Cantaol, la cantaora se llama Cantaola, el bailaor se llama Belaol y la bailaora se llama Bela Ola. Las distintas tonadas del flamenco se llaman palos y los patrones rítmicos se llaman compas. En general, la música flamenca, como la música blues, es un ciclo de doce tiempos. El cantante puede cambiar la improvisación en cualquier momento, por ejemplo de 3/4 a 6/8, y luego continuar dividiéndola con sonidos decorativos para hacer varios. especie de improvisación. Así que las reglas del flamenco pueden parecer estrictas en la superficie, pero hay mucho espacio para la improvisación. El guitarrista flamenco Juan Martín dijo una vez que el flamenco es un microcosmos de la sociedad española, que se adhiere a la tradición en la superficie pero es anárquica en el fondo.
Existe un término en el arte del flamenco llamado duende, que significa tacto y alma del cantaor. Domina la comunicación entre el cantante y el público. Incluso cuando expresa emociones felices, el cantante puede transmitir emociones profundas y conmovedoras. El poeta español García Lorca decía que el Duende sólo se puede encontrar en "los recovecos más profundos del exilio, el último cuarto del alma salpicado de sangre". Su poder proviene de su trascendencia en el tiempo, y los momentos de la actuación de Doende son en sí mismos inmortales. Mario Pacheco, jefe de la discográfica más importante del flamenco contemporáneo, cree que Duende es el alma del cantaor y un regalo del cielo en el mundo. Algunos cantantes saben duende, otros simplemente no, y eso es algo que el entrenamiento y la habilidad no pueden compensar. En el concierto tanto el cantante como el público esperaban el momento de Duende. Cuando ocurre ese momento, el cantante ya no es él mismo, sino la canción que canta.
2. Baile del Jaleo
Existe un término especial en la interpretación flamenca llamado jaleo, que es una especie de tonada y también representa las palmas de cantaores, guitarristas y bailaores de lo más emocionante. y estado de entusiasmo cuando las palmas (palmas), los chasquidos de dedos (palillos) y los gritos y tambores del público interactúan entre sí. Cuando el público escuchó que estaban ebrios, ¡dejaron de gritar! Ole significa gritar "Viva la máquina de escribir" o "agua". Lo primero significa que los bailarines son rápidos como máquinas de escribir, y lo segundo significa que Andalucía es un lugar carente de agua, por lo que "agua" se convierte en el elogio más sagrado. 1. Origen y desarrollo
El bailaor de flamenco se llama Bairaol y la femenina Bairaola. La canción y la danza de color rojo fuego se originaron alrededor de 1750. En el siglo XIX acogió fiestas privadas de la calle y se abrió camino en lugares de espectáculos profesionales. Allí, los bailarines pueden competir entre sí para inspirar y desarrollar nuevos movimientos de baile. Fue por esta época cuando los míticos bailaores El Raspao y El Estampio comenzaron a desarrollar los pasos y movimientos deslumbrantes del flamenco contemporáneo, y también se creó en torno a la llamada hata de cola (falda larga con encaje y abertura en la parte delantera). esta vez En ese momento, se convirtió en el atuendo formal de las bailarinas. En 1910 el flamenco entró en el teatro y se desarrolló la llamada ópera flamenca, que integraba danza, canto, solo de guitarra y comedia. En 1999, el compositor Manuel de Falla creó el primer ballet flamenco. La Argentina fundó su primer grupo de baile en la década de 1920 y llevó al equipo a actuar en el extranjero, haciendo del baile flamenco un arte independiente. De 1930 a 1950, el cante y baile flamenco más famoso fue Carmen · Amaya, realizó giras por todo el mundo, haciendo flamenco. un arte mundialmente famoso
2. Terminología de baile
Los diferentes palos flamencos tienen diferentes rutinas de baile, las reglas son muy estrictas.
Antes de hablar de la expresión de una obra de danza completa, primero debemos entender algunos términos del baile flamenco.
(1) llamada (yum-ah-da): Indica una llamada, pero no una llamada verbal, sino una serie de pasos que utiliza la bailaora para recordarle al guitarrista que tiene la intención de terminar esta sección o todo el código de baile. (2)paseo: significa pisar. Los bailarines caminaron por el escenario y adoptaron hermosas poses. Como una serie de dos párrafos, no pueden permitirse el lujo de dar un paso en falso. (3) Desplant: Los pasos de baile del párrafo estallan rápidamente, generalmente comenzando con llamada, que es el clímax de toda la canción. (4) Silencio: Significa silencio. Entre secciones, el guitarrista deja de tocar y ahora la velocidad de baile de los bailarines aumenta gradualmente, llevándolo al clímax. Este tipo de actuación se ve a menudo en Argelia (totalmente de acuerdo con nosotros).
(5)taconeo: El cambio de pisada, el cambio de pasos de los bailaores de flamenco, puede ser de puntas a plantas y luego a talones. Suele haber un solo que se dedica a mostrar los pasos del baile completo.
(6) Zapatero: Tiene dos significados Suele referirse a la ejecución solista de los dedos de los pies, las plantas y los talones, creando ritmos complejos. Otro significado hace referencia al zapatedo, una forma de baile en la que la ejecución de los pies es particularmente compleja, a menudo comenzando de nuevo después de una parada de emergencia y acelerando constantemente. La melodía debe coincidir perfectamente con el ritmo, requiriendo una perfecta coordinación entre el guitarrista y el bailarín.
(7)jaleos(hell-aye-os): Significa animar. Cada grupo de baile está acompañado por un responsable de los jaleos, al macho se le llama jaleador y a la hembra se le llama jaleadora. También suelen ser responsables de controlar la interpretación de los ritmos de Palmas y Pitos.
(8)ida: significa irse. La bailarina le indica al acompañante que quiere cambiar de una forma a otra. 1. La evolución de la guitarra flamenca
En el desarrollo del flamenco, hasta la segunda mitad del siglo XIX (la llamada época dorada del flamenco), el flamenco no tuvo una Guitarra propia. En aquella época, eran finas caras o liras hechas de materiales baratos. No fue hasta el siglo XX que nació la guitarra flamenca.
Las guitarras clásicas antes del nacimiento de la guitarra flamenca estaban hechas de arce o palosanto, y eran muy pesadas. La tapa de la guitarra tiene adornos intrincados y las cuerdas son de metal y son muy pesadas. La guitarra flamenca mejorada utilizaba madera de ciprés más ligera, cuerdas de madera y un mástil de cedro. El material más ligero reduce la carga para el músico y hace que la guitarra flamenca parezca más brillante, similar a un instrumento de percusión.
En los tiempos modernos, muchos solistas de guitarra utilizan un tipo de guitarra entre una guitarra clásica y una guitarra flamenca para combinar con la acústica de la sala de conciertos. Esta guitarra se llama guitarra flamenca. La palabra negra proviene del uso del palo de rosa negro. La madera gruesa, junto con la fabricación especial, permite a Flamenco Negra producir un sonido profundo con buen sonido y claridad, especialmente adecuado para actuaciones en salas de conciertos.
Antes de los años 60, la guitarra flamenca se tocaba entre la parte superior del brazo y el muslo. Después de la década de 1960, la mayoría de los músicos utilizaron Parker de Lucia para bajar la posición de la guitarra hasta el muslo, de modo que las piernas pudieran soportar el peso de la guitarra y los brazos quedaran más libres, por lo que el músico podía utilizar una guitarra más pesada.
2. La genealogía familiar de los guitarristas flamencos
Muchos investigadores de la historia de la música flamenca creen que la tendencia de los solistas de guitarra flamenca se inició en el siglo XX. De hecho, Julián Arcas actuaba regularmente en solitario ya en la década de 1860. Según "Flamenc The Earnings" escrito por Paco Sevilla, durante la llamada era del café flamenco, la guitarra poco a poco se fue convirtiendo en uno de los platos fuertes de las actuaciones, los músicos poco a poco van saliendo en la parte solista, potenciando la melodía de acompañamiento y no compitiendo. sólo con otros guitarristas, pero también con cantantes y bailarines.
Poco a poco, cada café o club tiene su propio solista de guitarra, y algunos músicos realizan efectos especiales, como ponerse la guitarra a la espalda, sostenerla en la cabeza o incluso tocar con guantes, utilizando diferentes trucos para atraer al público.
El arte de la guitarra flamenca contemporánea se remonta al guitarrista El Maestro Patino (El Maestro Patino) Tocaba a menudo en solitario cuando era joven, pero su mayor contribución fue la enseñanza de Patiño a dos alumnos, Paco el Barbero. Paco de Franco, tuvo una influencia absoluta en la creación del estilo de guitarra flamenca contemporánea.
Paco El Barbero entrenó a Javier Molina (1868-1956), y Molina entrenó al Niño Ricardo (1904-1972). Santo Niño Ricardo no sólo fue un gran intérprete e innovador, sino que su estilo influyó directamente en Serranito, Manolo Sanluca y Paco de Lucía. El estilo de interpretación de este género es áspero y duro, con emociones crecientes y profundas. Se llama muy flamenco.
En los años 70, la guitarra de Nino de Ricardo, un estilo duro, adquirió una nueva dimensión con las innovaciones de Paco de Lucía y Manolo Sanluca. Se puede decir que Paco De Lucía cambió por sí solo la forma de jugar del Flamengo. No sólo heredó la áspera y fuerte expresión emocional de Nino de Ricardo, sino que también integró los conceptos musicales "clásicos" y las delicadas técnicas de Ramón Montoya. Tomó la iniciativa al bajar la guitarra hasta el muslo, dando a los músicos más espacio para expresión. Utiliza sorprendentes técnicas de picado (staccato rápido), nuevas y extremadamente rápidas al-za-pua y rasquaedo (cuerda cepillada). Además, continuó añadiendo otros elementos musicales al flamenco (como música latinoamericana, escalas de jazz y conceptos de acordes).
(2) Clasicismo: Paco de Lucena - Ramon Montoya (Manolo de Huelva) - Sabicas El Maistro Patino Otro de sus alumnos fue Paco de Lucena, descendiente de Ramon Montoya y Sabicas que fundó lo que se conoce como clasicismo.
Paco de Lucena estudió guitarra clásica y aprendió técnicas de escala y arpegio de maestros de la guitarra clásica. Su mayor aportación a la guitarra flamenca fue la creación del llamado vibrato de tres dedos, una técnica de guitarra. Después de tocar el bajo, toque tres tiempos triples seguidos, lo que suena como un conjunto de dos guitarras.
Paco de Lucina conmocionó al mundo con sus numerosas actuaciones en solitario a finales del siglo XIX, pero lamentablemente murió joven a principios del siglo XX. Una de sus aportaciones posteriores fue la de enseñar al alumno Ramón Montoya (1880-1949). Ramón Montoya fue llamado Don Montoy (Señor) por los españoles para respetar sus magníficas habilidades. Sorprendió al mundo con su rápida velocidad al tocar, su musicalidad poética al tocar escalas y su ingeniosa digitación de acordes, incluso creando la digitación del vibrato de cuatro dedos. En 1937 grabó el primer disco solista de guitarra flamenca de la historia, que se convirtió en un modelo para que las generaciones posteriores de músicos admiraran y trascendieran. Ramón Montoya murió en 1949.
Un contemporáneo de Ramón Montoya fue un mago llamado Manolo de Huelva, que inventó la llamada técnica de la alzapua, utilizando el pulgar para pulsar una cuerda o un grupo de cuerdas hacia arriba y hacia abajo mientras amasaba simultáneamente la sola. cuerdas de notas. Se dice que las habilidades interpretativas de Manolo de Huelva eran asombrosas, pero se negó a grabar, por lo que no dejó ninguna grabación tras su muerte. Quien verdaderamente heredó la línea clásica de Ramón Montoya fue Agustín Castillon (1910-1991), todos lo llamaban Sabikas. Este apodo proviene de su afición por una lenteja verde y blanca llamada Habikas en español, por eso la llamó Habikas. De alguna manera se convirtió en Sabikas.
Según Ricardo Pachón, el productor más famoso del nuevo flamenco, a finales de los años 50 el llamado flamenco clásico había madurado por completo y luego el mundo del nuevo flamenco tomó el relevo. El llamado nuevo flamenco se basa en el flamenco clásico e incorpora otro tipo de músicos, entre ellos el blues, el jazz, la bossa nova, la salsa y el rock.
Parker de Lucía fue el primer músico que lanzó el nuevo movimiento flamenco y cambió muchas técnicas tradicionales de interpretación de la guitarra. El cantante colaboró luego con Manuel Molina en 1969 con la banda de rock sevillana Smash, una fusión de blues y flamenco en forma de boullées. Smash se disolvió en 1970, pero Manuel Molina finalmente llamó la atención en 1975 cuando lanzó el álbum "New Dia" con la cantante Loray Montoya. Utilizando palabras escritas por el poeta Juan Manuel, rompieron con la larga tradición del flamenco y finalmente dieron origen a nuevas palabras. Antes de eso, cada generación de músicos flamencos cantaba palabras antiguas transmitidas de generación en generación. El disco de Nuevo Día ha vendido más de un millón de copias y Lole Y Monlina se ha convertido en la primera heroína del nuevo movimiento flamenco.
El fallecido cantaor gitano Camarón de Lila es considerado el mejor cantaor de flamenco de los últimos veinticinco años y también es considerado el músico más clásico. Pero en 1979, dio un paso audaz y lanzó el álbum "Leinda del Tempo", utilizando audazmente nuevas letras escritas por Federico García Lorca, acompañado por truenos y relámpagos de las guitarras gemelas de Mondo Amado y Tomatito, y las bandas de rock Alameda y Dolores. . Este trabajo experimental que hizo época fue criticado como inútil por los fanáticos acérrimos de la época. En el mercado cambiario de discos de la época, éste no era en absoluto un disco genuino de Camarón de la Isla. Diez años después, todo el mundo finalmente la reconoció como la obra clásica de Camarón. Rompió el estereotipo de la interpretación flamenca, y la nueva generación del nuevo flamenco la tomó como guía y siguió su ritmo para explorar. Después de este álbum, Camarón de la Isla experimentó con mucho material nuevo, incluida la combinación de flamenco clásico y salsa, y finalmente regresó al flamenco tradicional.