¿Existe la pieza para piano más difícil del mundo?

La obra musical para piano más difícil de los tiempos antiguos y modernos: "Variaciones de Gotemburgo"

Esta es una obra maestra con una estructura magnífica y exquisita y un pensamiento musical extremadamente racional y riguroso. Sin embargo, Ella también es una obra hermosa, elegante y pacífica. Es una suerte para la humanidad que el viejo y desconocido Sr. Bach pueda conservar esta obra racional, grandiosa pero fácil de entender.

Durante sus años como director musical de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, Johann Sebastian Bach luchó contra la indiferencia de las autoridades hacia la música. Pero a veces tuvo que mostrar sumisión y sumisión para poder mantener su puesto. El Ayuntamiento de Leipzig no pareció apreciar la contribución de Bach a la vida musical de la ciudad y rechazó repetidamente sus razonables peticiones de mejorar la escuela catedralicia y ampliar las instalaciones necesarias. En 1730, el ambiente en esta ciudad finalmente se volvió insoportable para Bach. Escribió a su amigo de la infancia George Edrmann (entonces cónsul del emperador ruso en Danzig), con la esperanza de encontrar otro trabajo fuera de Leipzig. Escribió en la carta:

"...descubrí que mi trabajo actual está lejos de ser tan lucrativo como la descripción original; ya no puedo obtener otros ingresos fuera de mi puesto. "Los precios aquí son muy altos y mis superiores no tienen ningún interés en la música. Mi vida está llena de problemas, acoso y celos. Espero que Dios me ayude a encontrar un trabajo satisfactorio fuera de Leipzig. Contenido de la respuesta de Edelman Sólo sabemos que Bach permaneció en Leipzig hasta su muerte (la situación real es que Edelman pronto se convirtió en director de la escuela de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig. Como resultado, la situación de Bach mejoró enormemente, lo cual fue así). el motivo fundamental que le impulsó a quedarse en Leipzig (traductor). En 1733 compuso la Misa Sublime en si menor para la familia real, con la esperanza de obtener el título de compositor de la corte. Tres años más tarde, fue nombrado oficialmente "Compositor del elector de Sajonia y rey ​​de Polonia", y todo esto se debió en gran parte a la ayuda de Hermann Karl y del barón von Kesselin.

El conde Kesselin es el embajador de Rusia en Dresde y la música es su mayor afición. En su ciudad natal, Neustadt, tenía una banda compuesta por los mejores instrumentistas de la época; Gotemburgo era uno de esos clavecinistas sorprendentemente numerosos. Johann Goldberg nació en Danzig en 1727. Cuando era niño, estudió música para teclados con el hijo mayor de Bach, Wilhelm Friedmann, en Dresde. Más tarde, el conde Kesselring lo envió a Leipzig para estudiar directamente a Bach. Su extraordinario talento lo hizo famoso. A veces parecía capaz de expresar todo lo que veía con la ayuda del teclado. Bach debió estar feliz de tener un alumno así.

En cuanto al origen de las "Variaciones de Gotemburgo", fue propuesto por primera vez por Johann Nicolaus Forkel (Johann Nicolaus Forkel), el primer biógrafo de Bach. Escribió en su biografía:

Conde. Catalina estaba muy débil y sufría de insomnio severo. En ese momento, Gotemburgo, que vivía con él, siempre le ponía algunas canciones relajantes en la sala de estar por la noche para ayudarlo a conciliar el sueño. Una vez, el conde le dijo a Bach que esperaba poder escribir algunas piezas para teclado suave para Gotemburgo que tuvieran algunas características realistas, de modo que pudiera obtener consuelo emocional durante esas noches de insomnio. Bach creía que lo mejor era utilizar la forma de variaciones para cumplir con este requisito, y que toda la obra debía tener la misma estructura armónica fija; después de todo, el conde había sido amable con Bach y no había hecho nada ingrato hasta el momento. . Venir. A lo largo de todo el período creativo de Bach, la forma de esta obra es única. A partir de entonces, el conde llamó a esta pieza "su" variación, y estaba tan absorto en escucharla que durante mucho tiempo se olvidaba de sí mismo, cuando llegaban las noches de insomnio, siempre decía: "Querido Goldberg, por favor toca algo de mi; ¡Variaciones!" Bach también recibió la recompensa más increíble de su vida: el conde le regaló una copa de oro tachonada de joyas francesas. Sin embargo, ahora parece que incluso si la recompensa del Conde Catalina es decenas de millones de veces más cara, no puede compararse con el valor de la verdadera obra maestra de Bach.

Por supuesto, esto no convence a muchos musicólogos, por tres razones: en primer lugar, cuando se publicó esta obra en 1742, no se mencionaba ningún dedicatario y el título especificado por Bach también era muy claro: "Un Estudio para teclado compuesto por un aria y una serie de variaciones para clavecín". En segundo lugar, Gotemburgo tenía sólo catorce o quince años en ese momento, y el nivel de desarrollo de las habilidades con el teclado en ese momento debería haber sido comparable al de ahora. Si no hubiera muerto a la temprana edad de 29 años, podríamos saber más. Finalmente, entre todas las posesiones permanentes de Bach, no encontramos ninguna "copa de oro", aunque sí poseía una valiosísima caja de cigarrillos de ágata (según las investigaciones, fue un regalo del káiser Federico II en sus últimos años, traductor). Realmente no importa cuál sea la verdad, es simplemente una muy buena historia (¡y un tema muy bueno!), y no hay duda de que siempre estará estrechamente asociada con esta obra maestra de Together.

En esta magnífica variación, el tema elegido por Bach es un Aria, derivada de una canción que compuso para su segunda esposa Anna Magdalena en 1725. Suave boceto.

Pero todavía hay muchos musicólogos que tienen dudas sobre su origen. Estas no tienen que ver con apreciar la obra; lo importante son las características y el ritmo del tema: es una canción solemne y noble. Sarabande está llena de emociones delicadas y de autocontrol. El estilo francés la embellece mucho: la ornamentación ya no es una adición aleatoria, sino una parte integral de la línea melódica. En comparación con la melodía superficial, son más llamativas las armonías sugeridas por el bajo, que forman la base de las 30 variaciones posteriores. Este tema consta de cuatro oraciones de ocho compases con exactamente la misma estructura armónica: primero se basa en la tónica de sol mayor; luego pasa al acorde dominante, después de la primera iteración, pasa de la tonalidad dominante a la relativa (mi menor); ), se inyecta mayor tensión en la música antes de volver a la tónica durante los últimos 8 compases (seguido de la repetición de la segunda parte). Toda la obra tiene tres variaciones en sol menor, donde mi bemol mayor reemplaza a mi menor, y el modo oscuro parece brillante (excepto por la inusual variación 25, donde la tristeza lúgubre de mi bemol menor continúa envuelta).

Con estos cimientos en su lugar, Bach podría comenzar a construir su magnífico edificio, un lugar de proporciones excepcionalmente bellas y novedades siempre presentes. El rigor y la profundidad alemanes y la elegancia francesa están muy integrados aquí.

Las 30 variaciones de esta obra están organizadas en grupos de tres, siendo la última pieza de cada grupo un canon. Son las que más cantan de todas las variaciones, y a veces incluso me entrego a ellas y me olvido de pensar en su estructura, porque la música aquí es tan exquisita y me trae una alegría infinita y una emoción indescriptible. Además, cada grupo comienza con una variación relativamente libre (algo similar a un baile pero siguiendo estrictamente el contrapunto), y el segundo suele ser una toccata con brillante técnica diseñada para un doble teclado, aquí Gotemburgo tendrá la oportunidad de mostrar sus soberbias habilidades. .

La primera variación está llena de alegría. El salto y el ritmo de la mano izquierda en el primer compás se utilizan a menudo para expresar motivos alegres en la música de Bach (como el Preludio en la bemol mayor en el Volumen 1 Bien Temperado). La técnica de tocar con las manos cruzadas en esta composición de dos partes es igualmente impresionante, ya que esta técnica se convierte casi en una característica de las variaciones posteriores. La segunda variación de lo que se suponía era una toccata virtuosa nos dio la primera sorpresa. Se acerca al canon. En realidad es una pieza creativa simple de tres partes. Al igual que en el Preludio en re mayor del BWV936, las dos voces entablan un diálogo continuo sobre el fondo de un bajo continuo. Luego viene el primer canon de toda la pieza: la tercera variación del mismo tono. Dado que las partes que están muy juntas deben tocarse con una mano, será un desafío para cada pianista transmitir la compleja estructura entrelazada de manera completa y clara al oyente (el clavicémbalo es más fácil de tocar que el piano moderno Express). En los primeros cuatro compases, la mano izquierda transmite clara y elegantemente la armonía, y la escala de la textura se desarrolla rápidamente.

La cuarta variación es una canción de baile que suena un poco salvaje. Las tres fases monofónicas del principio se imitan continuamente y la síncopa añade mucha diversión al mismo tiempo. Esto es una tocata. La quinta variación utiliza una técnica de toque típica italiana, que está llena de peligros en términos de dificultad técnica. Es muy peligroso para la mano izquierda saltar rápidamente a la izquierda y a la derecha de la mano derecha.

La música comienza con la mano izquierda y luego la mano derecha toca una melodía contrapuntística invertida muy al estilo de Bach. Esta pieza, como dijo Wanda Landowska, "saca una alegría imparable". La sexta variación es el segundo canon de toda la pieza, y la parte principal se copia continuamente

Aunque el manuscrito original de las "Variaciones Goldberg" se ha perdido, todavía lo encontramos en 1974 con la firma personal de Bach. Copiar copia. En comparación con la versión internacional anterior, esta versión añade varias marcas de tiempo, especialmente en la séptima variación de "Gig Rhythm". Se especula que Bach no quería que el tempo de la música fuera demasiado lento, por lo que deliberadamente la acercó más a una siciliana o volana, pero de hecho esta jig es muy similar a la obertura de BWV831. Los ritmos variados y la ornamentación nítida la convierten en una de las variaciones más encantadoras. La octava variación se convierte en una demostración de habilidad y dificultad. Las manos se cruzan y se requiere tocar la misma parte del teclado al mismo tiempo. El mayor problema con la interpretación del piano es que requiere un alto grado de cuidado para evitar la confusión de sonidos. . Pero el ritmo de la octava variación sigue siendo confuso: sin mirar la partitura, algunos oyentes reconocerán el tiempo de 3/4 como 6/8 al comienzo de la música. Para evitar errores, los pianistas suelen enfatizar ligeramente los acentos. A medida que las manos se acercan y separan durante la pieza, como en algunos estudios, el cruce de brazos también proporciona un efecto visualmente excitante. El siguiente canon, la novena variación, el final del tercer grupo, está lleno de un lirismo encantador, la música fluye con recato y la parte del bajo, que es más potente que el canon anterior, proporciona un fuerte apoyo a la hermosa melodía.

La décima variación es una fuga en cuatro partes, íntima y natural, que me recuerda a la marcha en re mayor de "El cuaderno de Anna Magdalena". La variación 11 tiene más manos superpuestas. Esta plantilla en compás de 12/16, que se parece un poco a una toccata, requiere un toque suave. Se compone de escalas entrelazadas, arpegios y trinos impredecibles, y finalmente desaparece en el aire flotante. Luego, Bach nos dio el primer canon invertido, la Variación 12, en el que detecté algunas características regias y sentí que no debía tocarse con prisa.

La variación 13 nos lleva a un mundo extremadamente sublime, y siento que la emoción de toda la obra ha cambiado silenciosamente aquí. Si bien la mayoría de las variaciones anteriores todavía procedían enteramente del mundo material, la decimotercera variación nos saca de allí por primera vez. Su melodía delicada y controlada parece provenir del movimiento lento de un concierto (¡pero no demasiado lento!), usando ciertos contornos acústicos del violín y dos notas simples suspiros para elevarse desde el patrón de acompañamiento. Unas pocas escalas cromáticas en la mano izquierda cerca del final realzan una vez más la solemnidad y el misterio de la Tierra Pura. Los pensamientos ya se han detenido en algún lugar del piano, pero los dedos golpean el teclado en otra parte: las catorce variaciones comienzan con una burla aguda y alegre, Bach nos despierta del sueño. La ironía parece ser la única característica en una amplia gama de frases descendentes (que se convierten repetidamente en ascendentes). A menudo se nos dice que en la música barroca los ornamentos se tocan en el fortissimo, pero aquí Bach los escribió todos antes del fortissimo. ¡Hasta aquí la regla! Después de un período de catarsis emocional, la decimoquinta variación nos muestra la primera variación menor de toda la pieza en forma de quinto canon. La experiencia emocional contrastante es muy apropiada. Su frase descendente todavía está inmersa en el suspiro de las trece variaciones, lo cual es particularmente triste pero la correspondiente melodía ascendente trae esperanza; Bach no permitió que apareciera una desesperación total en su música. Esto se debió a su firme y profunda creencia religiosa. Las quince variaciones son una prueba muy convincente de la expresión musical de Bach. Su ritmo tiende a Andante, en compás de 2/4, y la música fluye en tristeza. La parte del bajo está llena de dramatismo e imita los suspiros y amplios intervalos de la parte superior. Al final inolvidable de la pieza, las manos están separadas entre sí y la mano derecha todavía está en el aire a cinco grados del teclado; la música se desvanece gradualmente y nos quedamos solos en un profundo asombro, y ante el Al mismo tiempo, listo para afrontar más: este es también el final de la primera mitad de las "Variaciones Goldberg".

Las "Variaciones Goldberg" son a menudo consideradas por la industria musical como la cuarta parte de los "Keyboard Etudes" de Bach, aunque él nunca lo afirmó explícitamente. Este conjunto de estudios es de gran escala. El primer volumen incluye las seis Partitas, el segundo volumen incluye el "Concierto italiano" y la "Obertura francesa", y el tercer volumen incluye las variaciones del canto para órgano.

En estas obras se pueden ver por todas partes las características de las oberturas francesas: como la apertura de la 4ª Partita en re mayor; ni que decir tiene la obra del mismo nombre en el segundo volumen y luego el Preludio en mi bemol mayor para órgano; en el tercer volumen con fuga. En las "Variaciones Goldberg", lo mismo ocurre con la decimosexta variación. Esta canción abre la segunda mitad de "Gothenburg" con una atmósfera graciosa y elegante. Está dividida en dos secciones: primero, hay una gran escala continua, un vibrato brillante y un ritmo violento; hasta que alcanza el modo dominante de 16 compases, después de la repetición, hay una sección de fuga más rápida; La textura musical aquí sigue siendo muy orquestal a pesar de ser clara, y tenemos dos compases rápidos en 3/8, cada uno usando la armonía original.

Diecisiete variaciones es una tocata enérgica que evidentemente Bach tuvo gran placer en componer para clavecín de doble teclado. En la expresión pianística moderna, las manos se tocan una encima de la otra durante un período prolongado de tiempo. La Decimoctava Variación como Sexto Canon continúa este maravilloso sentimiento. La parte del bajo es preciosa, saltando alegremente bajo los dos cánones.

Las Diecinueve Variaciones es un baile atractivo y exquisito. Cambiar diferentes métodos táctiles puede hacer que los tres motivos produzcan un mejor efecto, y conservar la repetición también puede mostrar una mayor belleza de la acústica. Esta variación le da al intérprete un período de relajación, ¡porque la toccata más peligrosa ya está frente a él!

Veinte Variaciones - Bach está escrito especialmente para aquellas personas valientes e intrépidas que tienen suficiente control sobre los instrumentos en sus manos, pero no es sólo una demostración de habilidades. Cuando el intérprete ingresa a los acordes rotos de los compases 25 a 28, las notas densas parecidas a un bosque solo se usan para expresar alegría y humor. En la música de Bach, los momentos llenos de gran alegría son a menudo momentos de tragedia inesperada. Las Variaciones 21 nos retrotraen al abismo sin fondo de sol menor. La escala cromática en el bajo realza la expresividad de este canon. En el tercer compás comienza un motivo arremolinado en el bajo. Aunque la pieza está llena de intensidad, no se debe tocar demasiado lento; en cualquier caso, se logra el verdadero patetismo de la tonalidad menor.

A menudo siento como si hubiera renacido al comienzo del amanecer de Variaciones 22, y el regreso de Sol mayor es tan hermoso. Las imitaciones y réplicas tipo motete se utilizan ampliamente; parece que desde el comienzo de esta pieza, una serie de variaciones posteriores formarán espontáneamente una secuencia y conducirán al final de toda la obra. Para aquellos que sienten una afinidad especial por la pieza, "Gotemburgo" termina como si el otro lado estuviera a la vista y finalmente supiéramos adónde nos llevan. Bach le da mucha diversión a la Variación 23, donde las manos juegan un juego de atrápame si puedes, rodando hacia adelante y hacia atrás una encima de la otra (compases 27 a 30), terminando abruptamente en el acorde final. Esta técnica similar al viento de volar entre dos terceras y sextas fue el pináculo de la interpretación del piano en ese momento y allanó el camino para los compositores posteriores. Obtuvimos una gran alegría y entusiasmo no sólo por la música en sí sino también por la actuación misma. Después de la exagerada exhibición de habilidades, el canon de veinticuatro variaciones de octava crea una sensación de paz y tranquilidad. La parte dominante de esta pieza pastoral en tiempo de 9/8 cambia en la mitad de la pieza (entre los compases 9 y 24). La tercera mayor de la mano derecha al final conduce perfectamente a la tercera menor de la mano izquierda al comienzo de la siguiente canción. La conversión de estos dos acordes hace que toda la atmósfera cambie repentinamente.

La vigésima quinta variación, sin duda la variación más destacada de toda la obra, tocarla requiere no sólo un alto grado de habilidad, sino que también requiere que el pianista tenga una experiencia interior extremadamente profunda y un poder expresivo. El ritmo de la canción vuelve a la Sarabande original. La melodía cantabile entrelazada con la belleza y el dolor muestra una profundidad emocional incomparable. La escala cromática patetiza revela el origen del romanticismo. Esta pieza, que Landowska llama la "Perla Negra", tiene un tempo más lento que las otras variaciones, aunque todas tienen el mismo número de compases. La "nota única repetida" decorativa al principio es muy cantada y expresiva. Bach la utiliza a menudo para saltar seis grados en algunas obras emocionalmente intensas. Más tarde, Chopin también utilizó a menudo esta técnica. Cuando la tensión se va liberando gradualmente, la melodía descendente se acompaña de un appoggio disonante y finalmente termina en la tónica. En ciertos momentos privados, sentía otro mundo completamente libre del mundo terrenal (creía intuitivamente que esta Sarabanda provenía de la Sexta Pardita).

Lo más difícil si quieres completar toda la representación de "Gotemburgo" de una vez es reagrupar tus energías y energías tras las veinticinco variaciones que agotan toda tu fuerza interior para afrontar el peligroso segundo. Situación Variación Dieciséis: Sólo tenemos unos segundos para descansar antes de que nos arrojen a otra toccata técnicamente difícil. Durante la interpretación de esta pieza es necesario cruzar los brazos durante mucho tiempo. Manteniendo el ritmo de Sarabande, pero más rápido, Bach todavía escribió aquí dos valores de tiempo: la semicorchea continúa tocándose en 18/16 y el acorde de acompañamiento está en 3/4 en los últimos cinco para el compás; , ambas manos permanecen consistentes y la interpretación termina en 18/16 tiempos. La nota de gracia en el segundo tiempo fuerte de todos los compases no se encuentra en otras versiones excepto en la versión de 1974. Si no te importa agregar algunas notas más, ¡encontrarás que en realidad son muy efectivas! ¡Después de completar con éxito esta canción, sentirás que realmente puedes viajar hacia tu destino final ahora!

El canon final, veintisiete variaciones, la única en la que Bach abandonó la parte secundaria del bajo. Sobre los contornos armónicos del tema, las dos voces canónicas charlan amistosamente y con picardía, ¡y el final es repentino e inesperado! Luego, apresúrate a disfrutar de las veintiocho variaciones: la práctica del vibrato, el fuerte tono de campana y la amplia gama de saltos te brindarán una alegría infinita. La claridad de un buen piano es necesaria para interpretar bien esta pieza. No hace falta recordarles que las veintinueve variaciones son la última toccata. Sigue siendo un comienzo alegre, que comienza con el fuerte sonido de tambor de la mano izquierda, seguido del "golpe" de los acordes en el teclado de doble capa. El salto de doble octava en la mano izquierda añade mucha potencia extra. Creo que la expresión de esta pieza debería comenzar con cierto grado de improvisación libre, pero la secuencia descendente posterior debe estar estrictamente sincronizada. Luego llegamos a las exultantes Treinta Variaciones, que esperábamos que fuera el décimo canon, pero Bach sorprende a menudo. Esta canción es un "Quodlibet", que hace referencia a un tipo de broma musical que aparecía frecuentemente en las canciones populares de aquella época: a los cantantes les gusta colocar ciertas letras con características o emociones completamente diferentes encima de la música original para lograr el efecto deseado. efecto de entretenimiento. A la gente le gusta jugar a este juego en las reuniones familiares, especialmente después de una buena comida. En aquella época, la familia Bach celebraba cada año una gran reunión. Generalmente comenzaban con un coro religioso con un ambiente festivo y terminaban con todos improvisando "quodlibet". fueron elegidos. Las letras de "quodlibet" suelen ser muy divertidas y, a veces, incluso hilarantes. Al final de todas las variaciones, Bach eligió dos de sus canciones populares favoritas que cantaba en las reuniones familiares. La letra es:

La primera canción:

He estado contigo. desde hace mucho tiempo Nunca nos habíamos visto

Por favor acércate, acércate, acércate

Segunda canción:

No me gusta el repollo ni la remolacha

Si mamá cocina más carne

Creo que me quedaré mucho tiempo

Al citar estas canciones populares, Bach integra sus elevados pensamientos en cada día, combinando calidez y El amor se derrama en nuestros corazones. A los ojos de la mayoría de la gente, Bach era un "adicto al trabajo" dominado por una fuerte racionalidad, pero aun así sabía cómo disfrutar de la vida y esperaba compartir la tristeza y la felicidad con nosotros. Ahora todas las fiestas y banquetes han terminado, la multitud se aleja; las arias llegan lentamente desde lejos. Ya no es tan solemne y clara como al comienzo de toda la canción. Está envuelta en una capa de niebla y llena de la belleza de los recuerdos: este es uno de los momentos más conmovedores de toda la música del mundo. Ella nos dice en el tono más simple: El largo viaje ha terminado y es hora de que regresemos al lugar de donde venimos.

Landowska se quejó una vez: "Hoy en día, el público se apresura a comprar entradas para los conciertos de "Gotemburgo". Este tipo de codicia me entristece y me frustra. ¿Realmente no les encanta la música? ¿Amor? No, no entienden nada, simplemente les mueve la simple curiosidad de ver cómo esta pieza de teclado más difícil de la historia es conquistada por una técnica superior. "Por supuesto, las palabras anteriores están escritas. En 1933, Landowska hizo la primera grabación del mundo. de este trabajo. Hoy en día, Gotemburgo es uno de los mayores símbolos de la psique humana y, afortunadamente, ¡las entradas para los conciertos todavía se venden como locos! Para todo intérprete, la cuestión de si se deben conservar las repeticiones durante la interpretación siempre ha sido un interrogante, al menos en la medida en que implica duplicar la duración de la obra. Pero no importa lo que elijas hacer, no podrás complacer a todos.

Francis Tovey creía que "tocarlo todo es una expresión de falta de conocimiento"; Busoni también se opuso a la repetición, ¡e incluso afirmó que algunas variaciones podrían eliminarse por completo! La mayoría de los directores de conciertos no quieren tocar solo una obra de 80 minutos en un concierto; durante los últimos 25 años, yo también he tocado a menudo las Variaciones Goldberg sin repeticiones en la segunda mitad del concierto. En esta nueva grabación, mi forma de tocar conservó todas las repeticiones - y descubrí que el efecto de la obra se expandía infinitamente - la belleza arquitectónica de la música nunca ha sido más impresionante - ¡las variaciones limitadas abrieron una variedad infinita de variaciones! Creo que seguiré tocando la versión no repetida muchas veces en el futuro, pero mi verdadera intención interior siempre será interpretarla tal como la escribió Bach.

Debemos preguntarnos: ¿Por qué esta obra tiene una penetración espiritual tan poderosa? Escucharla a menudo me coloca en un tiempo y un espacio transitorios que me parecen familiares, y siento que he estado buscando el sentimiento escondido en él toda mi vida. ¡Olvídalo, probablemente esto siempre será un misterio, un sueño! Cuando decidí qué quería escribir sobre Gotemburgo, las palabras se volvieron reservadas; recordé el prefacio del notable tratado de Ralph Kirkpatrick de 1934 sobre esta obra maestra. Citando un pasaje de "A Doctor's Religion" de Sir Thomas Browne, siento lo mismo: /p>

Hay algo mucho más divino que lo que nuestros oídos escuchan. Es la parte más oscura del mundo creado por el Creador; cuando escuchamos una melodía, su significado completo sólo puede entenderse mirando al mundo mismo.