¿Qué cuadro en el mundo no tiene precio?

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Este retrato le tomó a Leonardo da Vinci cuatro años. Cuando terminó el retrato, me gustaría regalárselo a Zogundo (rico hombre de negocios, esposo). de Mona Lisa) o cualquier otra persona. Cuando fue invitado por el rey de Francia, salió de Italia hacia Francia con este retrato. Leonardo da Vinci murió en Francia, por eso el cuadro "Mona Lisa" se encuentra en Francia.

Durante siglos, la gente ha hablado de su misteriosa sonrisa, y su sonrisa era realmente misteriosa: parecía cambiar. Diferentes espectadores o verlo en diferentes momentos pueden tener diferentes sentimientos. A veces creo que su sonrisa es cómoda y gentil, a veces parece seria, a veces parece un poco triste y, a veces, incluso parece sarcástica y burlona.

En un cuadro los cambios de luz no pueden suponer tanta diferencia como en una escultura. Pero en el rostro de Mona Lisa aparecen sombras tenues que se hunden, cubriéndole los ojos y los labios con un velo. Las sonrisas humanas se muestran principalmente en las comisuras de los ojos y la boca, pero Leonardo da Vinci pintó estas partes de forma vaga y sin límites claros, de ahí que exista esta esquiva "sonrisa misteriosa".

Hay una historia sobre este cuadro. Cuando Leonardo da Vinci estaba pintando a la Mona Lisa, le pidió a un músico que tocara a su lado para que pudiera sentarse paciente y tranquilamente como un modelo. La mirada en sus ojos nos dijo que estaba escuchando. Ahora bien, si miramos sus hermosas manos y las consideramos en conjunto con su rostro, sentimos que la mirada es más sincera. Su mano derecha está suavemente colocada sobre su mano izquierda y su dedo medio no tiene ningún apoyo. Sentimos que golpea suavemente al ritmo de la música.

Cuando miramos el paisaje detrás de este retrato realista, nos sorprende el fondo irreal. Los picos de las montañas, las carreteras, los pequeños puentes y el agua que fluye aparecen en una atmósfera flotante y de ensueño, como para demostrar que los pensamientos de Mona Lisa están inmersos en un mundo de sueños.

"La Última Cena" - Leonardo da Vinci

La víspera de celebrar la Pascua, Jesús y sus doce discípulos se sentaron a la mesa y entraron en la celebración de la Pascua. la fiesta.

Trece personas estaban sentadas a la mesa del comedor. Esta fue la última cena que tuvieron juntos.

En la mesa, Jesús de repente se sintió preocupado. Les dijo a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría, pero Jesús no dijo que era Judas, y los discípulos no sabían quién lo traicionaría;

La "Última Cena" del gran artista italiano Leonardo da Vinci es la más famosa de todas las obras creadas con este tema. ¿Esta pintura fue pintada directamente en la pared del comedor de un monasterio en Milán?

Doce discípulos estaban sentados a lo largo de la mesa del comedor, formando cuatro grupos, con Jesús sentado en el centro de la mesa del comedor. Extendió las manos en un gesto triste, indicando que uno de sus discípulos lo había traicionado.

La mayoría de los discípulos saltaron de emoción, pero la imagen de Jesús estaba muy tranquila. Podemos ver su contorno claro resaltado en las ventanas en la pared del fondo. A través de las ventanas, vemos el paisaje tranquilo y el cielo azul rodea la cabeza de Jesús como un halo.

En el grupo a la derecha de Jesús, vemos un rostro oscuro, inclinado hacia atrás, como si se alejara de Jesús. Tenía los codos apoyados en la mesa del comedor y agarraba una bolsa de dinero. Sabemos que él es el traidor, Judá Iscariote.

La bolsa de dinero en la mano de Judas es un símbolo de él. Nos recuerda que él es la persona que guardó el dinero para Jesús y los demás discípulos. La bolsa de dinero contiene la recompensa de treinta monedas de plata. traicionando a Jesús.

Incluso si no está sosteniendo la bolsa de dinero, aún podemos identificar a este malvado enemigo Judas a través de la forma en que pintó Leonardo da Vinci.

Junto a la sombra lateral de Judas se encuentra San Pedro. También podemos ver su cabello plateado y sus manos blancas inclinadas hacia el joven San Juan. La mano derecha de Pedro, colgada de su cadera, sostenía un cuchillo y, como por accidente, la punta del cuchillo apuntaba a la espalda de Judas.

La cabeza de San Juan se inclinaba hacia Pedro. De todos los discípulos, él era el favorito de Jesús. Juan estaba tan tranquilo como Jesús, habiendo entendido las palabras de su Maestro.

A la izquierda de Jesús está el pequeño Santiago, que abre las manos y grita mientras intenta comprender las terribles palabras que escucha.

Mirando por encima del hombro de Little James, vemos a Santo Tomás, Tomás desconcertado, su mirada dudosa expresada por su dedo levantado.

Al otro lado de Santiago, San Felipe se inclinó hacia Jesús, poniendo sus manos sobre su pecho como diciendo: "Tú conoces mi corazón, y sabes que nunca te traicionaré". Su rostro estaba preocupado por el amor y la devoción.

Los seis discípulos que rodean a Jesús están en el centro de la historia.

Los cuerpos de Bartolomé y del viejo Jacob se inclinaban hacia ellos, mientras que el viejo Andrés que estaba a su lado no se levantaba, pero quería escuchar, por lo que levantó las manos como pidiendo silencio.

Los últimos tres discípulos quedan a la derecha. Están discutiendo lo que dijo Jesús y sus dedos señalan el centro de la mesa.

Todo lo que vieron sucedió en esta gran obra, pero cada vez que la admiramos, obtenemos un nuevo significado de las emociones y personajes de los discípulos.

"Girasoles" - Van Gogh

El arte de Van Gogh es genial, pero no fue reconocido por la sociedad durante su vida. Sus obras contienen un profundo sentido de tragedia, y su fuerte personalidad y su búsqueda única de la forma están muy adelantadas a los tiempos y, de hecho, son difíciles de aceptar por la gente de esa época. Usó el entorno para captar el objeto y cambió la realidad para lograr una realidad tangible, lo que contribuyó al nacimiento del expresionismo. Cuando la gente más lo malinterpretaba era cuando más confianza tenía en sus creaciones. Por tanto, dejó tras de sí una eterna obra de arte. Influyó directamente en el fauvismo francés, el expresionismo alemán e incluso los retratos líricos abstractos que aparecieron a principios del siglo XX. "Girasol" fue escrito en el soleado y brillante sur de Francia.

El pintor es como una llama ardiente, llena de pasión ardiente, haciendo que el movimiento y las pinceladas aparentemente giratorias sean tan espesos y poderosos, y el contraste de colores sea puro y fuerte. Sin embargo, esta aspereza y sencillez está llena de sabiduría y aura. Cuando los espectadores miran esta pintura, todos quedan conmovidos por los emocionantes efectos visuales, sus corazones tiemblan y sus pasiones estallan. Todos están ansiosos por intentarlo y se integran en las ricas emociones subjetivas de Van Gogh. En resumen, los girasoles descritos por Van Gogh no son sólo plantas, sino seres vivos con impulsos y pasiones primitivos.

"El primer paso" - Van Gogh

Esta obra fue copiada por Van Gogh de la obra de Miller del mismo nombre. La imagen muestra una tierra de cultivo en una zona rural, con las casas de los agricultores en la parte trasera. En el lado derecho del cuadro, una campesina sostiene a su pequeña hija para ayudarla a aprender a caminar. El padre granjero de la niña de la izquierda se agacha en el suelo y abre las manos para animarla a seguir adelante.

Aunque se trata de una copia que Van Gogh hizo de la obra de Millet, todo el cuadro revela el estilo personal de Van Gogh. La pintura utiliza colores brillantes, principalmente azul, amarillo y verde. Este alto brillo y colores naturales hacen que las personas sientan la vitalidad activa. Usó líneas negras gruesas en las personas y objetos de la pintura, lo que obviamente fue influenciado por el arte japonés y también agregó un sentido de realidad a la pintura.

Además, también pintó árboles, arbustos y cultivos con pinceladas curvas y giratorias. Esta es una técnica comúnmente utilizada en sus pinturas maduras y también agrega una atmósfera animada a la pintura. Todo el panorama rural hace sentir la vida real de los agricultores, ordinaria pero dinámica y llena de cariño familiar.

"La Creación de Adán" - Miguel Ángel

Parte importante del mural representativo de Miguel Ángel. Debido a su reputación en Florencia, el Papa Julio II lo invitó en ese momento a participar en la construcción de la tumba papal, pero luego fue interrumpido. En 1508, se vio obligado a aceptar el encargo de pintar murales en el techo de la Capilla Sixtina. En ese momento estaba triste y enojado. Inesperadamente, este mural se convirtió más tarde en la mayor obra maestra de su vida. El mural del tejado de la Sixtina cubre un área de unos 500 metros cuadrados y es uno de los murales más grandes de la historia del arte. Miguel Ángel pintó nueve cuadros religiosos consecutivos de diferentes tamaños en la parte central de la sala según el marco arquitectónico. Todos están basados ​​en las historias de la Biblia sobre la creación del mundo hasta el diluvio y el Arca. Se llaman "División". Luz y oscuridad", "Dividiendo la luz y la oscuridad", "Creación del sol, la luna, la hierba y los árboles", "Aterrizaje del agua divina", "Creación de Adán", "Creación de Eva", "Tentación y expulsión del paraíso". ", "El sacrificio de Noé", "Diluvio", "La borrachera de Noé".

Este mural gigante tardó más de 4 años en completarse. Debido a la minuciosa pintura de larga duración en su espalda, su cuello estaba rígido y tenía que poner la cabeza sobre su cabeza para leer las letras. Entre ellos, "La creación de Adán" es el más destacado, con la imagen de Adán en la pintura mostrando una figura fuerte, magnífica en espíritu, con fuerte voluntad y fuerza, mostrando el extraordinario procesamiento ideal del artista sobre la base del realismo. y proporcionando una profunda inspiración a sus contemporáneos.

"Sueño" - Picasso

En 1927, Picasso, de 47 años, conoció por primera vez a una chica de 17 años, de cabello rubio y figura regordeta. Desde entonces, esta chica se ha convertido en modelos pintados y esculpidos por Picasso. Otros 17 años después, Picasso, de 64 años, le envió una carta de cumpleaños que decía: "Para mí, hoy es tu cumpleaños número 17, aunque has pasado el doble de años. En este mundo, conocerte es la única vez que Seré feliz." Es el comienzo de mi vida. ">Esta pintura fue pintada en 1932. Se puede decir que es la encarnación más perfecta del amor de Picasso por el espíritu y el cuerpo.

"La Grande Odalisque" - Ingres

Mientras esperaba estudiar en Roma, Ingres aceptó un encargo de la ciudad de Lieja, en lo que hoy es Bélgica. Pintó un "Retrato de la. Primer Cónsul Bonaparte". Este fue el período importante en 1803, es decir, después de la ejecución de Luis XVI, Napoleón lanzó el golpe de estado del 18 de Brumario destinado a derrocar al gobernador. El primer cónsul quería implantar una dictadura militar en todo el país y el pueblo lo odiaba con crujir de dientes. Ingres aceptó completar ese retrato. En 1806 pintó "Napoleón I en el trono". Esta última obra fue un elogio desnudo creado para celebrar la ascensión al trono del dictador militar. A Ingres no le importaba la política, pero declaró su posición en estos dos cuadros. Cuando la obra se exhibió en el Salón de París ese mismo año, fue ridiculizada por la opinión pública.

Después de que Ingres en Roma se enteró de la reacción ante esta pintura, se sintió muy pesado y dijo enojado:

“La gente siempre piensa que el salón es un lugar donde se fomenta la pintura. De hecho, no, proporciona un camino triste para la pintura." En 1813, se casó con Miss Madeleine Chapel, lo que finalmente le proporcionó algo de consuelo. Dijo: "Chapelle es un modelo de autosacrificio. Se ha convertido en un consuelo en mi vida. En ese momento, además de pintar temas mitológicos, también pintó varios cuadros grandes de sujetos desnudos, preparándose para enviarlos a París". Aparece de nuevo. Esta pintura "Gran Odalisca" (En ese momento, la clase alta de los aristócratas franceses estaba muy interesada en la vida interior del palacio turco con un fuerte sentimiento oriental. Algunos pintores pintaron deliberadamente la vida erótica del tocador turco para satisfacer las necesidades visuales de la aristócratas Ange Ha pintado varias imágenes de doncellas turcas. El título del cuadro "Gran Odalisca" es para distinguirlo de otro de sus óleos "Odalisca", que es una de sus obras representativas que representa a mujeres desnudas durante este período.

Cuando este cuadro se expuso en París, suscitó aún mayores críticas por parte del público. La gente dice que, como alumno de Davitt, Angel fue demasiado lejos. Dijeron sarcásticamente: "El señor Ingres dibuja personas vivas, como un geómetra dibuja sólidos. Para dar a sus bocetos un efecto tridimensional con sus líneas presupuestadas, ¡lo hace de todo! De repente agranda varias partes del cuerpo humano. encogiéndose repentinamente, al igual que los cautivos en la cama de Procusto (Procusto; el legendario ladrón griego antiguo que ataba a sus cautivos a la cama de hierro y les cortaba los pies si eran más largos que el sofá y si no podían alcanzarlos, obligarían a sus piernas a caber en el sofá, etc.) Puede estirarse y retraerse a voluntad. A veces, cuando se frustra, deja de fortalecer el efecto tridimensional maldito y comienza a perfeccionar el contorno. vaina en lugar de espada para batirse en duelo”.

El crítico De Cairatri lo expresó de forma más pertinente. Una vez dijo a los alumnos de Ingres: "Su doncella tiene al menos tres vértebras más en la espalda". , Amaury Duvall, biógrafo de la profesora, lo expresó de manera más pertinente: "Puede que tenga razón, pero ¿y qué? Tal vez sea precisamente por esa cintura larga lo que la hace tan suave y capaz de abrumar al público de inmediato. Si sus proporciones corporales Si fuera absolutamente preciso, probablemente no sería tan atractivo."

Esta pintura de la "Gran Odalisca" requiere un estilo clásico estricto y, de hecho, hay muchas "desviaciones". En primer lugar, la "rango" de El color está seriamente dañado. El azul fuerte del fondo y el amarillo de la piel desnuda, así como los tonos claros, oscuros y rosados ​​del cuerpo humano, son extremadamente discordantes. En segundo lugar, la forma exagerada mencionada anteriormente, este desnudo femenino es casi. Se convirtió en un experimento para transformar la belleza y traicionó por completo las enseñanzas del maestro.

Duvall, alumno de Ingres, hizo todo lo posible para defenderlo y dijo: "No quiero decir que el señor Ingres sea un romántico. Pero también quiero afirmar que nunca fue el significado que entendió en ese momento". Clasicista"

Ingres parece mostrar su independencia frente a la naturaleza en esta pintura, pero debido a la firmeza de las creencias estéticas de Ingres, la actuación aquí es todo lo contrario. Esto crea ambigüedad sobre sus puntos de vista y ataca y las críticas son inevitables. Desde una perspectiva histórica, sentimos que Ingres tiene el coraje de explorar, aunque el personaje que pintó es altamente ficticio.

Esta pintura se completó alrededor de 1814 y mide 91×162 cm. Ahora en el Museo del Louvre, París.

"La Virgen y el Niño" - Rafael

En el cuadro vemos a la Virgen y el Niño sentados en un taburete, con una ternura y un paisaje detrás. Era un día soleado y podíamos ver las montañas a lo lejos mezclándose con el cielo azul claro.

Unos grupos de arbustos a la derecha guiaron nuestra vista hacia la pequeña iglesia en la montaña. Esto nos lleva a la idea de una joven madre con su bebé perteneciente al mundo de la religión. Los dos halos que rodean las cabezas de la madre y el niño son símbolos de su santidad. Rafael no necesitaba este símbolo para expresar lo que quería decir. Pintó a la joven madre con tanta dulzura y su rostro soñador con tanta ternura que cuando la miramos sólo podemos pensar en la Virgen.

Sus grandes ojos miraban a la nada, mientras seguían sus pensamientos. Estaba sumida en sus pensamientos y no pareció notar que el niño Jesús colocaba sus piececitos sobre su mano que descansaba sobre su rodilla. Sostuvo al bebé en su otro brazo.

Cuando juntamos sus manos y su rostro para comprender, sentimos que parecía haber olvidado la existencia del bebé, y estaba pensando en Jesús y su futuro.

Es natural que el niño Jesús sea pintado de mayor tamaño que un niño de su edad, en comparación con su madre. La forma en que Rafael creó el retrato de este niño estableció el lugar destacado de Jesús en la pintura.

Observando el rostro de la Virgen y el Niño, podemos encontrar que el contorno suave, los ojos grandes, la nariz recta y la boca pequeña corresponden a la Venus creada por el destacado escultor griego Praxíteles. Las cabezas son llamativas. similar porque Rafael era un artista durante el Renacimiento que había estado estudiando arte antiguo. Pero hay diferencias. Rafael pintó el rostro de la Virgen con más delicadeza y suavidad, dando a la antigua obra de arte pagana un nuevo significado cristiano.

Rafael dio nueva vida a la belleza antigua. En sus pinturas, el arte antiguo renació y se desarrolló en una forma nueva y diferente. Los logros de Rafael representan el nivel más alto de la pintura renacentista.

"El niño tocando la flauta" - Manet

Manet recibió seis años de educación académica en sus primeros años y luego estudió las obras de muchos maestros del pasado. Entre sus pinturas se incluyen. tanto la pintura tradicional como Con sus formas sólidas y los colores brillantes, vivos y luminosos de la escuela impresionista, se puede decir que es un pintor importante que conecta el pasado y el futuro. Sus obras (especialmente los retratos) reflejan de forma natural la personalidad del personaje. y psicología. "El niño que tocaba la flauta" utiliza un método de pintura de figuras planas, casi sin sombras, para expresar la realidad de los personajes. Desde aquí podemos ver el talento y la confianza en sí mismo de Manet. Esta pintura tiene claramente la influencia de los grabados japoneses Ukiyo-e.

Nota: El nombre Manet proviene de la inscripción latina Manet et manebit, que significa: "Vive y vivirá".

"Mujer con sombrilla"— —Monet

Esta obra es la pintura con la técnica de impresión temprana de Monet. Hay una señora sosteniendo una sombrilla en el centro a la derecha de la imagen, y su hijo está en el extremo izquierdo de la imagen. Era una mañana soleada y dos, madre e hijo, caminaban sobre el césped.

Toda la pintura utiliza sólo simples colores azul, verde, marrón y otros colores naturales, dando a las personas una sensación de paz y comodidad. La dama del cuadro ocupa la mayor parte del espacio del cuadro y se convierte en el centro interesante del cuadro. Pero el niño de la izquierda, la sombrilla y la señora también forman un triángulo, consiguiendo un efecto de equilibrio.

Aunque esta pintura es una de las primeras obras de Monet, se puede ver que ha capturado bien la luz y la sombra y la impresión instantánea en la pintura. El rostro y la parte superior del cuerpo de la mujer del cuadro están pintados en colores más oscuros, lo que indica que se encuentra bajo la sombra de la sombrilla.

Toda la sombrilla, la cara, el vestido y las áreas de sombra en el césped contrastan con la luz y la sombra en el lado claro del vestido de la mujer (lo mismo ocurre con el hijo menor), tal como se ve en la realidad. Además, los pañuelos oscilantes de las mujeres y los pliegues de sus faldas largas también realzan la dinámica de la imagen.

"Casa del Ahorcado" - Cézanne

A finales de 1872, Cézanne dejó el hotel al otro lado de Pontoise y se dirigió al pueblo de Auvers. Al trabajar junto con Pissarro y Guilloman en Pontoise, Cézanne aprovechó al máximo las técnicas impresionistas que aprendió en sus pinturas. Los colores eran más brillantes que antes, los cuadros estaban llenos de vitalidad y las pinceladas eran más delicadas. Sin embargo, aún conserva sus características originales de resistencia y robustez.

En esta obra, entre la alta cumbrera del tejado a la derecha y la casa a la izquierda hay un camino que desciende bruscamente. En el plano medio sólo se ven los tejados de las casas del pueblo. Esta escena muestra los campos brillantes y el cielo de Orville Village. Las crestas de los tejados, los edificios y las carreteras en primer plano parecen sólidos y poderosos, lo que le da una sensación de pesadez. Los campos planos que suelen aparecer en las obras impresionistas no se ven aquí por ningún lado. El enorme objeto en primer plano bloquea la vista a lo lejos, como si estuviera abriendo una gran cuña en el paisaje tranquilo y estable. El uso de una composición de este tipo y la elección de un tema como "La casa del ahorcado" no pueden evitar recordar a la gente las actividades internas y el estado mental de Cézanne.

"Fuente" - Angel

La joven desnuda sostiene una olla y deja que el agua se derrame. Sus músculos son aún más atractivos debido a las hermosas y suaves curvas de Angel. El uso de colores es muy suave y variado. Expresa la belleza de la nobleza y la solemnidad. Esta pintura "Fuente" comenzó a elaborarse ya durante la estancia de Ángel en Florencia, y finalmente se completó más de treinta años después.

"Sunrise·Impression"——Monet

"Sunrise·Impression" representa una mañana brumosa en el puerto de Le Havre, mostrando el agua de mar envuelta en la luz de la mañana De color naranja o lavanda, el cielo se presenta con diferentes manchas de color, que reproducen los colores de la superficie formados por los fuertes reflejos atmosféricos. Esta exploración del propio lenguaje de la pintura fue aceptada por muchos pintores de generaciones posteriores, formando así una tendencia importante originada en el impresionismo, y el arte emprendió un viaje hacia los tiempos modernos.

"Rastreadores en el Volga" - Repin

Rebin (1844-1930) fue uno de los principales representantes de la pintura del realismo crítico ruso de finales del siglo XIX en Rusia "El Volga". "Rastreadores en el río" es su famosa obra. Cuando aún era estudiante, el duro trabajo de los rastreadores en el río Neva en San Petersburgo despertó la simpatía de Repin. A partir de ese momento, quiso pintar una obra que mostrara rastreadores para recordar a los trabajadores de clase baja sus dolorosas vidas y su injusticia social. . En el verano de 1870, Repin y su compañero Vasilyev (que más tarde también pintó cuadros sobre rastreadores) fueron al río Volga para viajar y dibujar los paisajes típicos rusos y la vida de los rastreadores le dejaron una impresión inolvidable.

En el cuadro, Repin retrató a once trabajadores curtidos por la intemperie, que luchaban por tirar de la cuerda en la calurosa playa ribereña. Los rastreadores tienen diferentes experiencias y personalidades. Viven en la base de la sociedad, pero son un equipo que se ha vuelto resistente e interdependiente en las dificultades. Los colores utilizados en el fondo son tenues y brumosos, y el espacio está extrañamente vacío, lo que da a la gente una sensación de melancolía, soledad e impotencia. Realmente penetra en el corazón del rastreador y también es un retrato fiel del estado de ánimo del pintor. mente. Esto encarna el propósito de la pintura y el contenido emocional. El florete jugó un gran papel.

Por tanto, la composición, trazos, pinceladas y demás técnicas pictóricas de este cuadro están bastante acertadas.

"Les Demoiselles d'Avignon" - Picasso

Los pintores del pasado miraban a las personas o las cosas desde un ángulo, y lo que pintaban era sólo el lado tridimensional. El cubismo muestra las cosas de una manera nueva. Observan desde varios ángulos, observan desde varios ángulos que no se pueden ver desde el frente y expresan varios lados que no se pueden ver desde el frente de manera yuxtapuesta o superpuesta. En "Les Demoiselles d'Avignon", los tonos de las cinco mujeres desnudas se contrastan con un fondo azul, y el fondo también está dividido arbitrariamente. No hay sensación de distancia y los personajes están compuestos de formas geométricas.

"Venus y el dios de la guerra" - Botticelli

Las obras de Botticelli y Giotto, Masaccio y Donatello llevaron el arte florentino al En una nueva era, la gente amaba mucho el arte realista. , y Botticelli fue el líder de esa época. Sus obras curvilíneas, elegantes y únicas lo convirtieron en el pintor más genio de Florencia de ese período.

El Dios de la Guerra del cuadro es uno de los amantes de Venus, la diosa del amor.

El dios de la guerra duerme sin armadura, mientras Venus está despierta. El significado es que el amor puede conquistar la guerra, es decir, el amor puede conquistarlo todo.

La obra pudo haber sido una decoración en los muebles de un dormitorio de la época, o pudo haber estado en una mesita de noche, en un panel de pared, en un respaldo o en una cómoda.

"El descanso de Diana" - François Boucher

Diana es Artemisa en la mitología griega. Es la diosa de la luna y la diosa de la caza. Apolo. En la imagen hay dos figuras femeninas desnudas. La de la derecha es Diana, con un adorno de luna en la frente. Es famosa por su belleza y crueldad. El propósito del pintor no es el mito en sí, sino hacer referencia a ella. Las bellas mujeres del palacio durante la época de Luis XV. Desnudo femenino. Se dice que en el estudio el artista pintó modelos especiales: las hermanas Muffet, y las idealizó. A juzgar por la forma y la expresión del color, es realmente una obra superior, pero la pintura es demasiado delicada y emocionante.

"Jacob luchando con el ángel" - Gauguin

Esta obra que parece ser de temática religiosa en realidad se caracteriza por el simbolismo y representa la visión de Bretaña de una campesina en la península. tenía ante sus ojos mientras el párroco le explicaba la doctrina. Las pinturas representan alucinaciones en la mente de las personas y están presentadas de manera realista, por lo que las figuras en las pinturas no son imágenes cristianas. Los extraños sombreros que llevaban las campesinas bretonas realzan el efecto decorativo del cuadro, mientras que las escenas de "lucha" de las leyendas religiosas se procesan en lugares menos obvios para simbolizar las mentes de estas piadosas campesinas bretonas.

Este tema hace que sus pinturas parezcan misteriosas. La pintura aquí compuesta de rojo, azul, negro y blanco es un patrón con líneas curvas y onduladas, similar a un mosaico bizantino. Debido a la complejidad del contenido y la forma, el estilo artístico de Gauguin también era complicado, por lo que los historiadores lo llaman "sintetismo". El estilo de Gauguin también influyó más tarde en los nabis y el fauvismo franceses.

"Madonna Sixtina" - Rafael

En la pantalla, las cortinas se abrieron lentamente a ambos lados, y la Virgen María descendió lentamente de las nubes con el niño Cristo en brazos. A sus pies estaban arrodillados el anciano Papa Sixtino II y la joven y hermosa Santa Bárbara. El primero vestía una pesada sotana y señalaba con la mano hacia la tierra hacia donde debía ir la Virgen, mientras la segunda tenía los ojos bajos, con una insinuación. de piedad. Tímido, como si orara por madre e hijo. El rostro de la Virgen es hermoso y tranquilo, pero parece haber una preocupación oculta entre sus cejas. Para salvar a toda la humanidad, tendrá que sacrificar a su amado hijo. El pequeño Cristo está acurrucado en los brazos de su madre. Nos mira con sus grandes ojos y en sus ojos hay una inusual sensación de seriedad, como si ya comprendiera todo lo que aquí sucede.

"Paraguas" - Renoir

Renoir es bueno pintando la vida, mujeres y niños encantadores. A partir de ese momento se alejó de las técnicas impresionistas y se centró en el boceto. Los magníficos colores de esta obra se han perdido, reemplazados por un nuevo intento, concretamente un boceto preciso. Se dice que la mujer que sostenía una canasta en su mano izquierda fue modelada según la esposa de Renoir, Arline.